VORTEX 8. ¿Qué diría Lester Bangs de ellos?

 

Tiempos de revistas y fanzines en papel, se tocaban, se olían... corriendo te acercas al kiosko de cabecera de tu barrio bien entrado el mes, has tardado demasiado en conseguir financiación para agenciarte el número de ese mes, pero mantienes la esperanza de que quede algún ejemplar. Delante de ti un melenudo le pide a la quiosquera lo mismo que tú pretendes, rezas a los dioses del averno para que no sea el último ejemplar pero tus peores pensamientos se hacen realidad... ¡agotado!  y te alejas refunfuñando y masticando tu odio hacía ese ignorante que tus prejuicios ya te han convencido de que no va saber apreciarlo.

Pasan los años y como Eskorbuto berreaban, buscas en la basura algo mejor. Puede ser un contenedor de escombros con los desechos de una obra, una bolsa de basura o una esquina con orines de perro o de algún borracho que la ha empapado con el contenido de su vejiga repleta, y ahí está, donde siempre tuvo que estar, en tus manos temblorosas. ¡Chúpate esa, melenudo ignorante!

Un artículo llama la atención con la mezcla imposible de dos nombres, Lester Bangs (¡si está muerto!) y Vortex 8 (¿pero no estaban muertos?)

Y Vortex 8 están de vuelta, ¿alguna vez se marcharon? 'Mirando al abismo' se llama y antes que opinar sobre ello mejor será que sean sus propias letras las que nos cuenten de que va.

                        ASOMANDOME AL ABISMO

                     NOTO LAS PIERNAS TEMBLAR

            UN BONITO CADAVER NO QUERIA DEJAR

Te los encontrabas en un bar cuando ibas de Centramina y Roches y ahora se están haciendo viejos y no lo quieren evitar, que demonios, ¡tú también!, pero en una mañana que apunta a jodida, estas canciones sonaran en tu cabeza mientras miras a un callejón repleto de ratas y basura y tu bolsillo lleno de pelusa te dice que nada tienes y que nada puedes perder.

No te preocupes, la tormenta cesará y el ambiente se volverá a cargar de sudor y de alcohol y que mejor banda sonora que está para que tararees estas canciones que, total, ya pagaras las facturas otro día. 

En un rincón profundo en ti sabrás que Vortex 8 siempre estarán ahí, que serán parte de ti y que ejercerás de cascarrabias con quien no comulgue con tus gustos y con quien lleve gorras del revés, volverás a tu habitación, le darás gasolina al motor y mientras da vueltas una y otra vez en el plato esta rodaja de vinilo tu cabeza hará crack. Su sonido te dolerá, sus letras te herirán, la resaca que dejaran en ti te inundara de recuerdos, para ti serán mejor que un blues cantado por una sirena y más electrizantes que digerir alto voltaje y, aunque ni en sueños Lester Bangs se hubiese molestado en posar sus narices en Vortex 8, ni sabiendo que si no lo hacía se quedaría sin su siguiente trago de Jack, para ti siempre serán un tajo en tu garganta después de escucharlos, si, serán como un tajo certero en tu garganta.

¿Te atreves a abrir esa puerta?

GOING UNDERGROUND 11. Vaciando el Madhouse

 Mientras que el punk rock underground rodaba por toda América como una planta rodadora, la separación de los pocos triunfadores a largo plazo de la escena – Buzzcocks, Jam y Stiff Little Fingers - significó que no quedaba mucho de la loca diversidad que había sido un sello distintivo de la escena punk londinense. Aunque las nuevas bandas como Exploited, Chron Gen, Charged GBH y Discharge se beneficiaban de grandes audiencias cuando giraban por los USA. Estas bandas eran garabateadas en las chupas de cuero de la mitad de los ‘punks a la moda’ que veías por las calles. Algunas de las bandas inglesas eran bastante buenas, pero muchos punks americanos veían su música demasiado parecida a lo que siempre habían estado haciendo. La banda de New York Heart Attack abordaron el tema en English Cunts, en un lamento a la gente para que dejase de mirar a otro lado y reconociesen las nuevas bandas americanas.

El punk es punk a cualquier sitio que vas/ la gente es gente sea quien sea que conozcas

Si sigues viviendo en el pasado/ tu gran orgullo nunca durará

Dices que te encantan esos británicos borrachos/ pero vuestras opiniones se basan en

los éxitos de los Pistols

Heart Attack eran una de las muchas bandas del impresionante inicio de la escena hardcore de New York, y el recopilatorio NYC Thrash en el sello que solo editaba cassettes, ROIR, era uno de los más diversos de las primeras recopilaciones hardcore. Jack Rabid de Even Worse lo recuerda:‘T

odos íbamos en diferentes direcciones. Even Worse era una banda clásica del estilo Weirdos-Damned-Avengers. Los Undead eran del rollo Misfits, Los Nihilistics sonaban como Fall, Crass y Throbbling Gristtle mezclados en uno. Kraut sonaban como los Pistols o Professionals, solo que al doble de velocidad. Cada banda tenía un espacio diferente’

El trió liderado por Jesse Malin, le sumó después una segunda guitarra, Heart Attack era una banda que merecía mucho más reconocimiento del que tuvo. La banda, que estaba llena de rigor político y comentarios sociales, se hacía más fácilmente digerible por su intensamente explosivo aluvión sónioro. Después del 7” God is Death, editaron 2 EP’s muy buenos, Keep Your Distance en su propio sello y Subliminal Seduction en Ratcage Records. Malin era un buen compositor además de un feroz guitarrista y cada vez que vuelvo a escuchar esos EP’s me sorprendo de los buenas que eran las canciones. Pensabas que el volumen limitaba la intensidad, y escuchar hardcore a cierto volumen hacía difícil distinguir una banda como más poderosa que la siguiente. No es así. Había pocas bandas en todo el país que se acercaban al punto de saturación de la intensidad, lo que demostraba que tenías que tener canciones y habilidad tocando para alcanzar ese nivel. Lo increíble de Malin era que él solo tenía 14 años cuando empezó con la banda.

‘Los primeros recuerdos que tengo de Jesse son que todos nos reíamos de él porque era muy militante en sus gustos’, recuerda Jack Rabid. ‘Él solo era un crio, olvidabas eso algunas veces, que solo tenía 14 – por un tiempo no le gustaba nada que no fuese Dead Boys, Circle Jerks… había 5 bandas que Jesse aprobaba. Se llevaba bien con nosotros y con las otras bandas locales, él las apoyaba, pero si le preguntabas que pensaba de este o aquel grupo, el decía ‘no me gustan’. Supongo que, si le ves ahora, tiene uno de los gustos más variados como cualquier tipo rockero de todo el planeta. Ha sido maravilloso verle crecer’.

‘Aunque él no estaba falto de humor. Mi recuerdo más vivo de Jesse es una vez que Heart Attack y Even Worse tocaron juntos en el Peppermint Loungue. Fue el primer domingo de enero de 1982, por aquel entonces hacían sesiones punk rock en el Pippermint Loungue los domingos. Lo del Pippermint era un buen asunto para nosotros, toda la historia – El Pippermint Twist, los Beatles merodeando por ahí – y también era un club grande. Cuando venía esa pausa en la canción de Heart Attack Family Life, él decía algo distinto en cada concierto, y siempre era sobre lo loca que es la vida familiar. Todos éramos cercanos a los Misfits, así que se acercaba al micro y decía, ‘¿Mami, puedo salir y… tocar en el Pippermint Loungue esta noche?’ y recuerdo pensar, ‘Si, joder, cuando yo tenía 14 años no salía a tocar a ningún Pippermint Loungue’. No puedo imaginarme preguntando a esa edad a mi madre si podía ir a tocar al centro de Manhattan a las 2 de la mañana. Eso habría quedado bien’

Como era de prever, mucha gente no estaba familiarizada con la jerga británica para entender que la canción English Cunts tenía algo que ver con las mujeres, y Heart Attack tuvo que explicar lo muy avergonzadas que estaban de la canción.

‘No estaba dirigida contra las mujeres ni nada parecido, pero mucha gente lo tomó en ese sentido – en realidad somos una banda pro-feminismo’, le contaba Malin a Flipside en 1984. ‘English Cunts esta básicamente escrita en como la gente tiene prejuicios, como decir que les gusta una banda solo porque son de Inglaterra. En la jerga Cockney todo el mundo utiliza la palabra ‘cunt’, los tíos se llaman entre ellos ‘cunt’, por eso utilizamos esa palabra. Realmente nunca quisimos tocarla, pero habíamos estado tocando con GBH. Habíamos estado viendo gente aparecer y abarrotar el local y no veo nada válido en GBH en absoluto, solo descerebrados rockeros pretendiendo ser punk. Gente que vestía y se llamaban a ellos mismos punks van a esto sin sentido anti femenino…’

La mayoría de las bandas que tocaban tempos blitzkrieg antes de 1982 se decía que tenían ‘sonido DC’, en referencia al thrash directo a la cabeza de la escena de Whasington. Incluso Jello Biafra hizo un asentimiento con la cabeza a la escena de DC cuando título In God We Trust, Inc. al disco ‘DC Thrash’ de los Dead Kennedys. Quizás esto dio a las bandas de DC demasiado crédito, ya que ellos solo estaban emulando a los Bad Brains, y muchos grupos como Hüsker Dü tocaban frenéticamente al mismo tiempo sin haber escuchado nada de sus iguales Thrash. Antes de que nadie empezase a hacerlo, Bob Mould encontraba interesante que grupos de diferentes sitios de la nación, operasen en una especie de vacío, …. La misma idea. Heart Attack desarrollaron también de forma independiente ese hiper ataque, pero con mayor respaldo musical que la mayoría.

‘Es simplemente extraordinario algunas de las cosas que hizo a esa edad, dijo Jack Rabid de Jesse Malin. ‘tenía ferocidad. No solo por tener 14 años, sino que veías sus ojos que los ponía como si fuese Strummer, doblaban su tamaño cuando estaba de pie en el escenario. No creo que Javier tuviese idea de cómo tocar la batería, aunque es uno de mis baterías favoritos de siempre.

Intenté hacer mi imitación de Javier en los ensayos y no pude hacerlo, y eso teniendo una vaga idea de cómo tocar. Esa ferocidad, esa intensidad total era única, porque no sonaban como las otras bandas de hardcore que llegaron después.

‘Escuchas la batería de una canción como English Cunts y te preguntas, ‘¿de dónde viene eso?’ La gente olvida que, con la excepción de Bad Brains, no se habían escuchado esos tempos antes. Creo que Heart Attack conocían a Bad Brains, quizás les influyeron algo. Acabábamos de descubrir las bandas de DC. Me encontré esos tipos de nuevo cuando bajamos al 9:30 club a ver a Bad Brains en enero del 81. Conocí a Ian y Henry en el concierto de Sham 69 en diciembre del 79. Era algo como Colon descubriendo América. ¿Quiénes son esos punks de DC? No sabía que hubiese ninguno’.

Incluso después de que se estableciese el hardcore americano, la noción persistente en la gente de que Inglaterra había inventado el punk rock impregnó los márgenes de la cultura punk. La gente que no perdía tiempo en aprender sobre las escenas locales – una especie de guerreros punk de fin de semana – acudía en masa cada vez que una banda inglesa venía a la ciudad. Esas bandas tenían promoción profesional, mejor distribución de discos y estaban acostumbradas a tocar sus conciertos en Inglaterra delante de miles de personas. El desprecio que tenían por sus compañeros americanos era una constante. En la poderosa Gran manzana, la nueva generación de bandas punk, tenía cada vez más difícil hacerse notar. Entre el desprecio expresado por la vieja generación de los 70 punk neoyorquina y el bando pro-Inglaterra, era un camino difícil.

‘Todo lo que teníamos de la gente de la escena arraigada aquí’, se lamenta Jack Rabid, ‘era que ‘la mierda punk rock fue hace 5 años’. Nos trataban como a la gente del revival rockabilly. De hecho, la gente del revival rockabilly tenía más respeto. Richard Hell solo me fruncía el ceño cada vez que me cruzaba con él cuando vivía en mí mismo edificio. Yo era un chaval de 18 años con una chupa pintada de spray y él me ponía caras. Si me hubiese dado 5 segundos, se daría cuenta que tenía su disco, que me encantaban los Voidoids, pero él me cortaba antes de que le dijese, ‘tú eres Richard Hell, me encanta tu disco, porque no haces otro’Steve Wishnia de False Prophets sostiene que ellos no fueron realmente despreciados por la generación más mayor, ya que la escena de los 70 se había quemado tanto que no quedaba nadie para despreciarlos.

‘No tengo la sensación de que la primera generación punk de NYC ignorase y apartase a la segunda’, dice Wishnia, ‘aunque la verdad es que no daban el apoyo a las nuevas bandas que Dead Kennedys dieron más tarde. La primera generación ya había desaparecido en 1981-82, con Patty Smith Group, Television y los Dead Boys separados, Richard Hell enganchado a la heroína y sin muchos conciertos – abrimos para él un par de veces en 1982 – y los Heartbreakers con los ocasionales conciertos ‘rentables’. Solo sobrevivían los Ramones y ellos estaban en un punto relativamente bajo de su carrera con sus propios demonios con los que tratar’.

Kraut eran uno de los puentes, estilísticamente hablando, entre las dos generaciones, pero debían más su sonido a los Sex Pistols y al punk inglés. Eran una de esas bandas hardcore, como Toxic Reasons, más enraizados en los acordes potentes del punk de los 70 que en el thrash moderno, pero al igual que DOA y Toxic Reasons, tocaban al doble de velocidad de sus inspiradores. Llevaban el punk de vieja escuela en su etiqueta, con canciones como Onward (‘hay que ir hacia atrás, para ir hacia adelante’) que desafiaban la noción de algunas bandas de que estaban creando algo enteramente nuevo. Steve Jones de los Sex Pistols incluso tocó la guitarra en Onward, Sellout and Kill For Cash en su primer disco, y vivió con el bajista Don Cowan y el guitarrista Doug Holland un tiempo.

Aparte de hacer las tres canciones con ellos, Jones aparecía ocasionalmente con Kraut en los conciertos para interpretar las canciones. Él se había quedado impresionado con Holland y su forma de tocar la guitarra cuando Kraut y TSOL abrieron para Professionals en el Channel de Boston, y fue una de las raras situaciones en que el respeto mutuo se desarrolló entre el punk ingles de los 70 y el hardcore americano. El entusiasmo que tuvo Damned por Bad Brains fue uno de los otros casos. Kraut habían sido suficientemente afortunados por tocar con sus héroes desde el primer concierto que hicieron, abriendo para los Clash en el Bond’s de New York el 11 de junio de 1981. Los Clash fueron contratados para una semana de conciertos en una sala con todo vendido, lo cual forzó a los Clash a añadir más shows y pelear por encontrar más grupos teloneros. Fueron el mismo paquete de conciertos que hizo que el nombre de Bad Brains se filtrara en mi ciudad natal de Florida en 1981 como si hubiera hecho volar a The Clash del escenario.

En la escena de New York, Jack Rabid decía que había un poco de resentimiento hacía Kraut y su mayor ambición, pero el siempre opinó bien de la banda.

‘De vez en cuando algunos chasqueaban la lengua sobre Kraut o cualquier otro’, decía Rabid, ‘pero no tenía ninguna base ya que ellos trataban con nosotros y nosotros con ellos. Personalmente, a mí me gustaban Kraut, y fui compañero de cuarto de uno de ellos, así que no me importaba mucho que ellos tuvieran algo de arrogancia. Doug Holland vivió conmigo entre los años 82-84, así que terminé siendo un poco el que hacía apología de Kraut en la escena. Solo un par de ellos eran arrogantes, los otros dos eran bastante amigables’

A pesar del éxito de su primer álbum, Kraut nunca parecieron ganar fuerza en el país y su segundo y último disco, Whetting the Scythe, no recibió mucha atención. Lo editaron en noviembre del 84, y una gran parte de su tibia recepción por parte de la escena punk fue la maldición de su sello, Enigma. Una vez que Enigma optó por un aspecto de metálico y más sofisticado del diseño del álbum y de la banda, incluso a los que estaban familiarizados con la banda se les perdona que rechazasen el álbum sólo por su apariencia. Aunque el disco era un poco irregular comparado con el primero, canciones como NGRI, Juvenile Justice, Flossing With an E String y el himno Backstabbing era tan bueno como cualquiera que se publicó en esa época.

Aunque el frontman Davy Gunner tenía buenas pintas y una voz impresionante, la banda era muy parecida a Toxic Reasons en el sentido de que eran una unidad en la que nadie destacaba como icono punk. Ellos solo tocaban música genial. En un mundo punk cada vez más poblado de gente que les dio por definir a sus héroes punk en base al Straight Edge, la política, el carisma o cualquier cosa, muchas veces se olvidaba la música. La lección ‘ignora a los héroes’ que Jack Grisham de TSOL había intentado enseñar cambiando su nombre en cada disco, que las personalidades no importaban, se perdió más y más.

Ya que el CBGB’s solo arrojó un hueso al público hardcore con las matinees de los fines de semana cuando no tenían nada en marcha, el A7 permanecía como el principal garito de la escena local. Mike D de los Beastie Boys lo recuerda como ‘tocar en el comedor de tu tía – eso si el comedor de tu tía tenía pis de gato por todas partes y fuese un fumadero de crack a tiempo parcial’. Jack Rabid tiene buenos recuerdos del A7 ya que era un lugar donde cualquiera se podía mezclar.

‘Una noche bajé al A7’, recuerda Rabid, ‘cuando tuvimos a Stupid Youth Thuesday por 2 pavos – nuestra pequeña broma de Youth Brigade y el rollo BYO – los Circle Jerks se estaban quedando conmigo y les dije que podrían tocar. A Keith y Greg les pareció bien, pero Chuck Biscuits no iba a tocar la batería del local. Era un poco snob con eso. Así que bajamos allí y Robo, que estaba en ese momento con Misfits y había sido batería de Black Flag, andaba por ahí y ya que se sabía Wasted decidieron tocar con él a la batería. Él tocaba la versión Wasted de Black Flag mientras que el resto de la banda tocaba la versión de Circle Jerks, y fue horrible’

‘Le dije a Keith ‘me se todas vuestras canciones, dejarme tocar’, pero ellos lo hicieron con Robo. Y todas las canciones fueron terribles, y después de cada canción intentaba convencer a Keith que me sabía sus canciones. Después de 5 canciones, cuando era evidente que era un desastre, Keith dijo, ‘vamos a probar una canción con Jack a la batería’ Y estuvo bien. Entonces él dijo, ‘vamos a probar otra canción con Jack a la batería’ Y también fue bien. Los llevó 5 canciones antes de que pararan para decir que iban a probar otra canción con Jack. Le pregunté a Chuck después de como lo hice, y se encogió de hombros y dijo, ‘lo hiciste bien’ Ese era el mayor elogio que podías sacarle a Chuck. Yo estaba en plan, 'cabrón, ¿eso es todo lo que puedes decir? Aquí estaba mi oportunidad de ocupar el sitio de mi héroe, el batería de DOA, y todo lo que obtuve fue ‘has estado bien’

False Prophets pusieron dos de las mejores canciones en NYC Thrash, aunque igual que la mayoría de las bandas no podía permitirse el lujo de editar más de dos 7” en sus primeros años. Eran liderados por cantante teatral, Stephen Ielpi, que llevaba material diverso como calaveras de mono y se embalaba a si mismo con alambre en el escenario.

‘Stephen estaba en cualquier lugar blandiendo su calavera de mono’, recuerda Jack Rabid. ‘La primera vez que me encontré con él le dije, ‘¿Qué eres?, ¿Screaming Jay Hawkins?’ y el respondió, ‘¡me encanta Screaming Jay Hawkins!’ Esa fue mi presentación con él. Le dije que sí, que ya me había dado cuenta.

Vi a False Prophets en Longmarch en Philly en el 84, un show que el bajista Steve Wishnia recuerda bastante bien:

‘Ese concierto de Philly fue bueno a pesar de los mejores esfuerzos de los promotores. Ellos - un proveedor de comida ortodoxa para bodas y traficante de cocaína y su sórdido compañero – nos dijeron que no podían pagarnos pero que nos conseguirían una furgoneta para el viaje de regreso. Nos dimos cuenta de que eso equivalían a 100$, así que lo tomamos. La furgoneta apareció por la Avda. B repleta de soda del puesto de venta. Yo grité ’hijos de puta’ tan alto que la gente asomaba sus cabezas desde las ventanas del quinto piso. Después metimos el material detrás del espacio para 6 personas. Yo tenía una migraña insoportable y pase todo el viaje con una bufanda envuelta en mi cabeza, inhalando la sinfonía de olores nauseabundos y tóxicos de Jersey Turnpike. Entonces llegamos allí y el tipo del sonido no quiso encender los monitores, ya que éramos el grupo que abría. Afortunadamente, habíamos estado mucho en el estudio, grabando el primer álbum, así que estuvimos realmente sólidos y nos las arreglamos sin escuchar a Stephan’

Hable a Stephan en el backstage un buen rato sobre la escena de New York. Recordaba los días del club A7 con cariño, pero decía que los skinheads destrozaron el club y el punk en New York. Los False Prophets se divirtieron un poco con el slam dancing y el stage diving al principio, debido a lo caricaturesco. Su segundo 7”, Good Clean Fun, fue un golpe contra la violencia ritual en la que se había convertido el slam dancing.

‘El rollo sobre la violencia’, le contaba el guitarrista Peter Campbell a Maximum R&R en 1982, ‘es que todo el mundo sabe que New York es una plaza violenta, y viviendo en Avda. B lo vimos y lo experimentamos. Cuando me peleaba con algún clon drogata de Sid y luego iba a un club y todos esos chavales estaban bailando, parecía como un juego de niños’

Ellos no atendían a los gustos del público más joven en lo que respecta al slam, y se esforzaron en ello en los siguientes años, aunque tuvieron el apoyo de Jello Biafra y editaron 2 discos con Alternative Tentacles después de unos diversos cambios de formación. Steve Wishnia ya lo vio en las pintadas de las paredes de la escena de NYC en cuanto a la limitación del impacto del punk.

‘Yo no quería ver a la gente escuchando solo hardcore’, decía Wishnia en 1982 a Damaged Gods, un fanzine neoyorquino llevado por el batería de Misguided Lyle Hysen. ‘Luego todo se volvería una formula – ‘nueva fórmula hardcore machaca cráneos: 10% más rápido que los Bad Brains, 20% más desagradable que Black Flag’ – y la gente se volvió corta de miras. Había gente que abría sus mentes y escuchaban todo tipo de músicas ya que todas las bandas que estaban tocando alrededor de la escena estaban tratando con diferentes aspectos de la misma cosa. Los Bad Brains eran ruidosos, rápidos, sincopados y tocaban reggae. Los Undead eran una banda pop – la banda favorita de Nat eran los Undertones, mientras que a Bobby Steele le gustaban los Beatles. Escribimos muchas canciones que sonaban diferentes entre sí, y a mucha gente le gustaba eso ya que cuando ves a un grupo no quieres ver una banda que solo toca a 198 golpes por minuto, y saltar durante 35 minutos y no puedes distinguir una canción de otra’

‘Escuchaba cualquier cosa con letras, mensajes sutiles’, decía Ielpi en Maximum R&R. ‘Para mí es poético porque es realista, alguien cortando entre la mierda. Biafra tenía algo que decir. Jesse Malin tenía algo que decir. Ian Curtis tenía cosas geniales que decir’

‘Nadie escucha los mensajes’ decía Ielpi en Damaged Gods. ‘ya que ese terreno ha sido pisado una y otra vez y el público está tan informado como una chica embarazada de 13 años. Alguien podía saber que esto iba a pasar hace tiempo, y ahora la violencia se convirtió en algo más importante que lo que cualquiera tuviera que decir, mucho más importante. Es duro ser punk, pasear por ahí vestido como un motero con 106 libras de peso. Tienes que responder de esa imagen’.

Junto a Jism (alias Joe Ism y alias Joseph Ismach) de la banda asentada en Queens Ism, Bob Sallese de Sin Records sacó un recopilatorio llamado Big Apple: Rotten to the Core en 1983 que obtuvo mucho más a nivel nacional que NY Tharsh simplemente porque estaba disponible en vinilo en vez de solamente en cK7. Las bandas, con la excepción de Mob, tendían a ser bandas de hardcore más oscuro desde los barrios que tenían problemas en poder llegar a la escena del Lower East Side. Yo pinchaba canciones del disco bastante en mi programa de radio y siempre me quedé prendado de la melodía de Ism Ellos estaban muy alejados de los compositores más pegadizos de las bandas de NYC, con canciones como John Hinckley Jr. (What Has Jodie Done to You), el tributo a su club favorito, el A7, y su revestida portada de I Think I Love You de Partridge Family. Su disco de 1983, A Diet For The Worns se convirtió también en otro de mis discos básicos, con clásicos como White Castle at 3 AM.

Mientras que Ism tuvieron más atención al principio por toda la nación que otras bandas de Hardcore NYC, al final se encontraron con los mismos obstáculos. Sin Records estaba siendo estafado por su planta de prensado de discos, un acuerdo con Faulty que no se llevó a cabo debido a su bancarrota, y un desencuentro entre Jism y Sallese impidió que la banda aprovechara toda la difusión que estaba recibiendo. Mientras que ellos tenían esperanzas de llevar el hardcore al mainstream, esa no era la dirección que iba a tomar en New York o en cualquier otro lugar en esa época. Como las bandas de DC, muchas de las nuevas bandas querían erradicar cualquier mancha del sonido del punk más viejo aumentando la intensidad. Reagan Youth, Cause for Alarm, Murphy’s Law, Borscht, Agnostic Front, los Misguided, Antidote y Virus eran todas bandas nuevas ganando seguidores y empezaron a ocupar su lugar junto a Heart Attack, Kraut y Adrenalin OD como base de la escena hardcore que gobernaría durante los siguientes años.

SOCIAL DISTORTION. En algún lugar entre el cielo y el infierno

 THE BIG TAKEOVER # 28. ENTREVISTA REALIZADA POR JACK RABID.

No podemos saber si venían del infierno de las adicciones y ser inquilino de instituciones penitenciarias e iban al cielo de recuperar el control de su vida como la de cualquier ciudadano aburrido y sin ningún peligro o si venían de los infiernos de girar y tocar en infectos agujeros y editar discos en sellos menores y se aproximaban al valhalla de una major con mejores presupuestos, limos y grandes espacios donde tocar y estar a buen recaudo de la cercanía de los fans. ¿El Hardcore era el infierno y el R&R el cielo? ¿Acaso eran Hardcore? Todavía no era ni un boceto el disco Somewhere Between Heaven & Hell y con su reciente firma con Epic hablan de cielos e infiernos con Mike Ness que fue entrevistado en una sala de conferencias de Epic el 11/03/90. 

Parecía extraño estar hablando con un viejo conocido con el que siempre hablaba en clubs en esta fría, impecable e impersonal sala de conferencias, como Mickey Rourke en Barfly, ‘la jaula dorada’ pero esa es la historia, inusual; después de años de esperar que una banda firmara con una major sin cambiar su sonido, y en menor medida, su aspecto (los Dickies entre los años 78-80 fueron los únicos, pero son un caso especial), aquí hay una, y los ha llevado una década hacerlo. El nuevo disco de Social Distortion auto titulado, el 3º y primero para Epic, podría fácilmente atraer a los fans de su primer disco del 83, Mommy’s Little Monster. Con las majors fichando el talento independiente radical que una vez despreciaron, están cambiando los tiempos, y el fichaje de Social Distortion no es el evento impactante que habría sido hace 3 años. En realidad, esto no es sorprendente, y debería no serlo que también firmen otros, y quizás es la indicación más clara de lo diferente de la actitud de las majors hacía la primera música independiente en estos días. Puede ser bueno o malo: para algunos, ayudara a romper los límites estrechos de una escena independiente rígida, desconfiada y de poca monta. A otros, pequeños peces que se debaten en un gigantesco y descuidado estanque les ayudara.

Al menos, en el caso de Social Distortion, no son el último en llegar. Con 2 álbumes indie, Mommy y Prison Bound del 88, 3 singles y numerosas giras por USA, han sobrevivido 11 años viendo a sus contemporáneos rendir sus instrumentos. En particular, el cambio de la escena punk hacia el hardcore y el thrash no les hizo daño, por su estatus de veteranos y porque sus discos más recientes tienen un gran atractivo más allá de esa escena, con elementos country y blues sumados a su correcto 4/4. Son una banda de R&R, pura y simple, al igual que unos modernos primeros Rolling Stones, a los que han versionado en 3 ocasiones.

La formación actual, la 3ª, lleva junta unos 6 años, desde que la mitad de Mommy’s abandonó. Ness parece más feliz que nunca con la renovada energía del reformado y una combinación de precaución (su pasado es todavía parte de él) y más humildad de la que la estrella punk que una vez fue. Parece más cortes, más interesado y más relajado. En el escenario todavía mantiene el carisma, la apariencia y la intención que hicieron de él uno de los mejores y de los más populares.

Jack Rabid: Una buena pregunta con la que empezar es, aparte de la fecha en la que hiciste en los Montana Studios un repertorio para tu nuevo sello, Epic, ¿Por qué no tocaste en New York en tu última gira?

MIKE: Sabes, no pudimos contratar nada, no recuerdo exactamente cual fue la razón. Hubo algo, en el pequeño espacio de tiempo que estuvimos allí no había nada disponible. Quizás montamos la gira tarde. Haremos otra en abril, y esta vez tocaremos en New York. Me gustaría tocar en el Ritz otra vez (en vez de ahí, tocaron en el Marquee)

JR: Quizás esta vez, no en un cartel hardcore.

MIKE: ¡Correcto! Intentamos alejarnos de eso. ¿Sabes?, eso me saca a la luz todo un problema. ¡Qué coño!, ¿Qué es el hardcore? Lo que quiero decir es que es algo con lo que nos han etiquetado. Me gustaría encontrarme al tipo que pensaba eso. ¿Qué significa? ¿Qué cantas rápido? ¿Quiere decir que tienes la cabeza pelada? ¿Quiere decir que eres extremo? Pienso en la pornografía cuando pienso en el hardcore. Ese es mi problema, pero estamos haciendo lo mismo, empezamos antes de eso, existíamos antes de la explosión hardcore. Existíamos en los primeros días. Cuando te gustaba el punk estaban los PISTOLS, los CLASH y GENERATION X y X-RAY SPEX, ¿es eso hardcore? ¿Qué coño es el hardcore?

JR: O los WEIRDOS y las otras bandas americanas.

MIKE: ¡Si! Los GERMS y toda esa mierda, ¿Qué es hardcore? No lo entiendo, y otra cosa, que era el punk hace 10 años, OK, veo bandas ahora que se llaman a si mismas punk, y si eso es punk, no tengo ni una mierda que ver con eso tío. Así que, sabes, ha cambiado. Se esta ramificando en un montón de áreas diferentes, y supongo que el hardcore es una de ellas, una de las avenidas, pero no creo que sea una categoría en la que meternos.

JR: ¿Crees que la gente te agrupa en ese grupo por haber visto Another State of Mind en TV y como eras hace 8 años? Ellos ven al joven y más crudo Mike Ness y compañía, la vieja formación.

MIKE: Si. Quizás el hardcore es más una actitud que un estilo musical, no lo se. Pero solo estamos haciendo lo mismo que siempre hemos hecho. Has escuchado el nuevo disco, ¿sí? ¿Te gusta?

JR: Claro. Lo pincho mucho. ¿Qué tiene que no te guste? (risas)

MIKE: Estoy bastante feliz con él. Realmente lo estoy. Estoy sorprendido.

JR: ¿Tienes alguna extraña inquietud por estar en un sello grande por primera vez?

MIKE: Tengo un montón de temores. Dejar un estudio y un productor con los que hemos estado trabajando cómodos durante años, entrar en un estudio grande, y todo es lujoso y agradable con un productor que no conozco. Si, había mucha preocupación, pero era todo preocuparse por nada, ya que el productor era bastante majo y nos dejaba hacer nuestro rollo. Lo hicimos simple, un temor mío era sobre producirlo, salir con algo que fuese demasiado trabajado. Creo que muchas bandas hacen eso. Una de las ventajas de estar en un sello grande es que las cosas se hacen de la forma que se supone que deben hacerse. Prison Bound llevó 1 año grabarlo. Incluso pasaron 5 años antes de llevarlo al estudio a causa de problemas personales, pero lo hicimos todo nosotros mismos, lo pagamos nosotros, y nos llevó un puto año grabarlo. Ni siquiera creo que THE ROLLING STONES se tomen tanto tiempo con un álbum. Es bonito entrar en un estudio y hacer las cosas bien, tener plazos y cumplirlos, tener el diseño antes de que el disco esté, es bonito tener a gente contigo trabajando en algo. Ese es un nuevo concepto para nosotros, solía ser solo nosotros y el manager.

JR: ¿Qué causó el retraso de PRISON BOUND?

MIKE: En parte el dinero. Teníamos que hacer un show en LA y sacar dinero para pagar al tipo del estudio para sacarlo. Eso fue cuando yo estaba trabajando a jornada completa, y muchas veces estaba demasiado cansado para ir a grabar un puto disco. O peleas con la novia, o cualquier cosa, había todo tipo de historias. Fue bonito tener ese trozo de vinilo en la calle, ya que habían pasado 5 años, creo que rompió el hielo para nosotros. No es mi disco favorito, pero creo que sirvió a su propósito. No vendió tanto como nuestro primer álbum, y tengo la sensación de que este nuevo disco va a vender más que cualquier otro, pero creo que nos pondrá de vuelta en el circuito, permitirá a la gente saber que todavía estamos ahí. Nos abrirá un montón de puertas.

JR: Parece como si pusiese a descansar el fantasma de la formación más famosa de Mommy’s y 1945.

MIKE: Claro. Lo cual no es que… creo que la relación que tenemos con los miembros de la banda ahora es mejor que la que teníamos antes. Puedes tener buenos músicos y sonar realmente bien, pero si no sois amigos… sería un fastidio compartir habitación con alguien con quien ni siquiera follo… sabes, somos buenos amigos y esto ayuda.

JR: Recuerdo ese show de año nuevo en Cathay Du Grande de Hollywood el año 84, el último que hiciste con la vieja formación.

MIKE: Si, ese fue el último. ¿Estabas allí?

JR: Si, estaba allí. Fue un repertorio que se paró, la gente empezó a destrozar vuestro equipo, estaban muy borrachos, la batería fue tirada, todo se fue de madre.

MIKE: Claro, no recuerdo lo que realmente sucedió, estaba bastante loco.

JR: Ese fue el mejor bolo que vi con esa formación, me puse como loco cuando el show se paró a mitad, y después lo siguiente que escuche fue que BRENT y DERRICK estaban fuera de la banda.

MIKE: ¿De verdad? ¡Guay! ¡Al final salimos con una explosión! Creo que fue algo donde yo amenace con golpear a DERRICK y BRENT por alguna razón, hicieron algo que me cabreo y yo iba a sacudirles, y ellos solo se fueron. Lo cual era incomprensible. Yo era un gilipollas esa época. Pero todo salió bien.

JR: Pude verlo venir desde ese concierto gratuito en el parking detrás de esa tienda de discos en Anheim.

MIKE: Ah si, Pier Records. Ese fue un show divertido. Estaban pasando cosas. Pero la formación actual me da espacio para escribir, y creen en mi criterio, y al mismo tiempo lanzan sus sugerencias.

JR: ¿Habías visto a THE LEWD antes de pedir a Chris que tocase la batería contigo?

MIKE: Creo que sí, creo que tocamos con ellos en Frisco, no lo recuerdo. Yo estaba preocupado.

JR: A veces me pregunto que le paso a The Lewd, a J. Sats Bered y Olga.

MIKE: Lo sé, lo sé. Me pregunto que pasó con un montón de gente. Justo estaba hablando con alguien sobre ello. Es bastante seguro decir que somos una de las bandas de LA que quedan de esa zona. Escuche que Bad Religión todavía están por ahí, he oído que su nuevo disco es realmente bueno. Es bueno oír eso, pero oigo que Circle Jerks se acaban de separar y no se que dirección estaban tomando, Keith tiene esas malditas rastas.

JR: AGENT ORANGE parecen también haber desaparecido finalmente, espero que no.

MIKE: Si, es extraño. Yo estoy agradecido… es como si 5 años de niebla hubiesen sucedido. Grabamos un álbum, en el 85 cuando yo estaba metido en las drogas y esas cosas, si lo hubiésemos editado, nos habría traído de vuelta.

JR: ¿Las mismas canciones que acabaron en Prison Bound?

MIKE: Si, un montón de descartes sobre canciones de yonkis, ¡pero no podías ni pensarlo! (risas)

JR: Refugios de L.A.M.F. (de los Hertbreakers de Thunders) (ambos se ríen)

MIKE: Si, exacto. El mismo tipo de cosas. Eso mola del nuevo álbum que todas son canciones nuevas, de los últimos 2 años, es fresco, ¿sabes lo que quiero decir? Es fresco y con mucha energía. Estoy más feliz con esto que con otras cosas que he hecho.

JR: ¿Podías haber predicho incluso hace 3 años que estarías en un sello grande? Parece que es un momento en el que de repente las majors tienen un interés en la música ‘alternativa’ cuando antes no había interés; nunca pensé que vería el día en que Social Distortion sería fichado sin que cambiaseis vuestro sonido radicalmente, algo que no habéis hecho.

MIKE: Creo que siempre ha habido interés. OK, es como si, por un instante no molase tener éxito. Era más underground. No molaba ir en una limusina.

JR: Porque, ¿no estáis saliendo en limusinas ahora?

MIKE: No, no. Me cogieron en una en el aeropuerto, pero es la única vez que he estado en una. (Ambos se ríen)

JR: ¡Debes sentirte bastante fuera de lugar!

MIKE: Oh si, te sientes como una prostituta en una iglesia.

JR: Lei esa misma frase en un libro de JIM BOUTON una vez, Ball Four creo.

MIKE: Pero incluso entonces, sentía que cualquiera que dice que no quería tener éxito en lo que estaban haciendo era como decir que no querías tener una vida. Había muchos tipos viejos del blues que ni tocaban por dinero, y esos eran los verdaderos tipos hardcore. Pero yo siempre quise ser grande, y no quiero decir hacerme rico. Mis términos de éxito son diferentes que en otros. Alguna definición de éxito en algunas personas es ser rico y famoso y todo eso, el mío es solo estar cómodo. Si nunca tengo nada mejor que eso, entonces está bien.

JR: Al menos dejaste tu antiguo trabajo y te dedicas a esto a tiempo completo.

MIKE: Si, estoy haciendo algo que disfruto, eso es el éxito. Y no hemos tenido que adquirir ningún compromiso, ¡eso es jodidamente genial! Si alguien dice que Social Distortion se ha vendido, entonces le diremos, ‘¿cuéntame cómo?’ Ok, porque todavía estamos haciendo lo mismo que hacíamos hace 10 años. Quizás el ritmo de la batería no sea tan rápido (él toca sobre sus rodillas), solemos llamarlo ‘el ritmo perdido’ en la gira con YOUTH BRIGADE, porque ahí es cuando toda la escena hardcore estaba explotando, el ritmo ‘1-2 que te jodan’

JR: El tiempo y el ritmo de ‘Mass Hysteria’ (en el recopilatorio editado por B.Y.O. Somebody Got Their Head Kicked)

MIKE: Si, teníamos un par de canciones así, como ‘Anti-Fashion’ Pero en algunas bandas, ¡así es todo su repertorio!

JR: Yo lo llamo la enfermedad G.B.H.

MIKE: Si, ¡vamos!, tengo un puto dolor de cabeza. No sé, sabes tan bien como yo que Social Distortion nunca se ha preocupado de lo que era popular. Salimos a finales de los 70 con Germs y Fear, con Gen X y los Clash y todo eso, pero entonces el rollo hardcore empezó y estábamos haciendo lo que siempre hacíamos, y ahora es como si el pelo largo y el glam y el speed metal molase, y no me preocupa nada de eso. Solo hago lo que me gusta, y afortunadamente a alguien le gustara.

JR: El único cambio estilístico que he percibido es que le habéis añadido más blues y country a tu viejo sonido duro de guitarra.

MIKE: Correcto, y he dejado de teñirme el pelo. Estoy agradecido de que podamos seguir consistentes, no se como atribuirlo. Quizás mi estrechez de miras.

JR: Si, la reseña que vi de Prison Bound en Options parecía pensar que estabas haciendo un refrito de tu primer LP, lo cual no creo que sea cierto.

MIKE: Si, yo no estaría de acuerdo, te gusta pensar que, si te mantienes constante durante 10 años, vas a aprender a tocar tu instrumento. ‘Drug Train’ o ‘Prison Bound’ nunca habrían aparecido en el primer disco.

JR: ¿Has escuchado mucho a JOHNNY CASH y a gente del country en los últimos años?

MIKE: Siempre lo hago. Crecí con ese material, crecí con el country ya que mi padre tocaba la guitarra. Por toda la casa.

JR: ¡Déjame probar papa!

MIKE: Exactamente. Así que es raro, me meto en la escena Glitter. He estado acostumbrado a tomar mierda por música que me gustaba toda mi vida. No escuchaba la música que escuchaban los chicos de la manzana. Mis tíos eran jóvenes, mi tío era batería en una banda de garage, y siempre me volvía a ese material, él arreglaba Harleys y esas cosas, era guay, fue un modelo para mí. Era como MICKEY ROURKE y yo era un chaval. Así que él me condujo a los álbumes. Recuerdo cuando el single ‘Day Tripper’ de los BEATLES salió. Yo solo estaba tan arriba (gestos) y escuchaba esa guitarra (canta), y pensaba, ‘joder tío, ¡esto es fuerte!’ (yo pensaba lo mismo de ‘Think For Yourself’ a la misma edad, N.d.E) Y luego me gustaba BOWIE cuando a los otros chicos les gustaba ELTON JOHN (curiosamente, Elton siempre fue un gran fan del punk rock a finales de los 70) y recuerdo cuando KISS salió, eran una banda genial y tuvieron una gran influencia sobre mí. Los ritmos melódicos y luego estaba el primer punk, el cual ha sido la mayor influencia sobre nosotros.

JR: Estabas merodeando por el Fleetwood y el Blackies y sitios así.

MIKE: Oh si, absolutamente. El segundo Masque. El Starwood, el Whiskey, eran underground antes.

JR: ¿Viste a los GEARS y bandas similares?

MIKE: Si claro, los Gears eran un buen ejemplo, creo que eran una banda de raíces. Y luego después con influencias blues y rockabilly. Creo que tienen ese tipo de influencias juntadas en esa mezcla, y creo que es lo que hace difícil de catalogar a Social Distortion.

JR: ¡De todo menos hardcore! (risas)… No he escuchado demasiadas bandas country hardcore.

MIKE: No, y si perdemos algo de nuestro público por decir esto, entonces joder, es debido a nuestra propia estrechez de miras.

JR: A la mayoría de la gente que le gusta el punk le gustara vuestro nuevo LP, quizás a los hardcore y a los thrash no. La verdad es que ‘So Far Away’ le gustaría a cualquiera de los viejos fans punk.

MIKE: Correcto. Si no le gusta esa canción, no les gusta ‘Mommy’s Little Monster’ Así que, eso mola.

JR: Le lleva al público 15 años darse cuenta de que los Sex Pistols y los Clash eran solo bandas de R&R, incluso buenas, en un tiempo en que eso era una rareza.

MIKE: ¡Totalmente! STEVE JONES, todo lo que ha hecho se basa en una escala de blues. Si, ¡exacto! ¡Esa es la diferencia! ¡El primer material punk era musical! Pienso que BLONDIE eran geniales, y los VIBRATORS, y los putos HEARTBREAKERS. ¿Qué demonios es eso?

JR: No tendrás ningún argumento en contra mío. Live at the Max’s es la esencia del R&R. La mayoría de las bandas hardcore no creo que tengan inteligencia rockera en sus composiciones.

MIKE: Exactamente, sí. Para mí, eso era el punk, así que ya sabes, cuando creces con eso, y oyes… no quiero decir nombres, pero cuando escuchas a un idiota calvo gritar (ese seria un nombre genial para una banda hardcore, Idiotas Calvos Chillones) gritando a un micrófono, es difícil identificarse con eso.

JR: Debes haber visto un montón de esos.

MIKE: Oh si, he visto más de los que me interesen (risas)

JR: Recuerdo verte en alguna pelea chunga con algunas de esas personas en New york en vuestra primera gira del 82, una pandilla de esa gente te estaba golpeando…

MIKE: Si, eso fue por mi culpa. Fue debido a mi alcoholismo y esas mierdas. Me llevo a un montón de problemas, toque fondo, desde el día uno de mi excesivo abuso de las drogas y el alcohol solo hizo meterme en problemas. No sé cómo fue posible tener una banda y construir algo, supongo que eso fue en los primeros estadios de ello, progresó, mi enfermedad.

JR: La calidad de la música tiene algo que ver con ello. Recuerdo la única vez que te visité en L.A. y estabas en una gran pelea a gritos con tu hermana por tu hermano.

MIKE: ¿De verdad? Seguramente estaba tratando de sacarle pasta. Todo ha cambiado ahora.

JR: Esto es un continuo tema en tus letras también, ¿no? Como ‘Prison Boun’ o ‘Drug Train’ o especialmente ‘I Want What I Want’

MIKE: Si, intento no exagerarlo y trato de ser sutil. Porque no trato de ser un tipo con putas oraciones ni nada parecido, ¿sabes?

JR: Como Steve Jones en esos anuncios. ‘¡Solo di no!’

MIKE: No es solo el tema de la droga, sino que las bandas de entonces diciéndote que hacer… las bandas que tratan de subirte al carro, sea política o droga, tiende a ser contradictorio, porque el cambio es inevitable, creo. No hay garantía de que este limpio dentro de 5 años. Me gustaría pensar eso, me gustaría pensar que nunca volveré a ese estilo de vida, pero no voy a estar delante del micrófono gritando sobre yonquis. No tengo nada en contra de la gente que puede hacer eso, hay algunas personas que pueden y otras que no, yo solo soy una de esas que no pueden.

JR: Un amigo mío que es un gran fan vuestro, que también es un alcohólico en recuperación, dice que mucho de la letra de Prison Bound les recuerdan a sus reuniones de Alcohólicos Anónimos, las cosas que sus consejeros le dicen.

MIKE: Si, sí, sí. No es tanto los consejeros, sino gente como nosotros (declina dar más respuestas)

JR: Que hay de DENIS, como te has llevado con él todos estos años y con todos esos cambios.

MIKE: Realmente bien. Él se quedo conmigo todo este tiempo incluso en medio de todo este infierno, durante estos años nuestra relación ha sido incluso mejor. El mismo ha pasado por muchos cambios, supongo que solo es crecer. Según te vas haciendo mayor, afortunadamente, empiezas a madurar y miras a la vida de forma diferente, las cosas que solían excitarme, ya no me excitan más, y las cosas que solía ver como convencionales o que no molaban, me veo haciéndolas ahora.

JR: ¿Por ejemplo?

MIKE: Bueno, tengo un jardín de rosas en mi casa, y si tengo una cita para una buena cena y una película, me pongo una camisa de manga larga (lo cual, de paso, significa que la docena de tatus de mis brazos se cubren) Voy a las fiestas de cumpleaños de mis pequeñas primas y llevo pastel y helado de crema, porque quiero participar en la vida ahora. Esto es la mierda normal que la gente normal ha hecho toda su vida, ¿lo ves? Pero en algún momento yo me desvié.

JR: Estabas haciendo el viaje del chico malo.

MIKE: Si, exactamente. Fue todo innecesario. Se supone que todo sucedería de esa manera.

JR: ¿Todavía estas añadiendo tatuajes a tu colección?

MIKE: Si, absolutamente.

JR: (Perplejo) ¿Todavía tienes espacio libre? (risas)

MIKE: Si, voy a tener que hacer un montaje con todos. Hacerlo como si fuesen un gran diseño. Luego ira por mi pecho y mi espalda. Es divertido.

JR: ¿Iba ‘She’s a Knockout’ sobre alguien en particular?

MIKE: No, esa no. Hay un par de ellas que parecen tener influencias románticas, novias pasadas y esas cosas, pero esa en concreto es más de naturaleza libidinosa.

JR: Todo el mundo conoce a alguien.

MIKE: Si, las veo cada día. Si eres un observador de chicas. Y sé que lo soy.

JR: Quien no… Los acordes de ‘It Could Have Been Me’ parecen prestados de ‘Fulsom Prison Blues’

MIKE: Si, son los mismos. No se si son 4, 8 o 12 compases, pero es una progresión blues. Si, MI-LA-RE. Se ha hecho millones, billones, trillones de veces. Los mismos acordes, blues, los mismos acordes de todas las canciones blues, se usaron un montón. Así que toma eso, pero puedes hacerlo muchas veces con voces que son diferentes.

JR: ¿Con quién te ves tocando estos días? Ahora que te estas alejando del rollo punk.

MIKE: Bueno, estamos haciendo una gira como cabeza de cartel, durante abril y mayo, por los USA, 10 semanas rompiéndonos las pelotas, y esperamos hacer una gira apoyando a JOAN JETT este verano. Creo que debería ser bueno para nosotros. Debería ser compatible. A ella le gusta nuestra banda, nos gusta su grupo. Creo que será una buena exposición para nosotros, en cuanto a tocar para públicos que nunca nos verían si no es tocando en algún bar del centro.

JR: ¿Te gustan sus discos? A mi no.

MIKE: Si, me gustan. Mi favorito es el que tiene ‘I Love R&R’ en él.

JR: Oh, la versión de GARY GLITTER.

MIKE: Si, todavía no he escuchado el nuevo. Solo tengo la cinta. Me gustan los BLACKHEARTS. Me gustan las RUNAWAYS. Son una de las bandas que tuvieron influencia sobre nosotros.

JR: ¿Siempre escuchasteis esa historia de ella supuestamente solo dormía en el sofá mientras se supone que estaba produciendo el LP de los GERMS? (Su único disco del 79)

MIKE: Es probable, sí. Es probable.

JR: ¿Qué otros planes tenéis?

MIKE: Yo voy a ir a mi casa a trabajar en mi coche. Compré un Pontiac del 55. Tiene los alerones más redondeados como un Caddy del 55, no tiene los filos como el del 59, pero es genial, tío, mola. Lo acabó de pintar, a 2 colores, blanco y negro. Como un coche de policía. Lo conduzco mucho, tiene un motor nuevo.

JR: Me puedo imaginar el kilometraje que tiene.

MIKE: Joder, al chaval al que se lo compré, un rockabilly, les puso unas hot rod, unas 69-420. Es cojonudo. Mola bastante tener hobbies. Muchas cosas que hago que antes no podía porque estaba a otras cosas.

La única y autentica Biblia del Heavy-Metal: Letra P

 

Listas Punk. Curiosidades y cotilleos 10

 Y nos adentramos en las inevitables listas de lo más de lo más según fulanita o menganito como si fuera un magazine musical a final de año para dar un empujón comercial a lo editado durante ese curso. ¿En serio? ¿Es inevitable?

LAS 10 BANDAS HEAVY METAL ADAPTADAS AL CONSUMO PUNK SEGÚN PAUL CRIPPLE 

1. Motörhead Iron Fist, Ace of Spades, etc…. 

2. Led Zeppelin Porque eran considerados Heavy Metal en 1971, y por la estructura simple de tres acordes de “Communication Breakdown” 

3. Jimi Hendrix Porque para mi, la introducción de “Astro Man” suena muy sucia. 

4. Black Sabbath Sus cuatro primeros álbumes son completamente aptos para el punk. 

5. David Bowie The Man Who Sold the World es heavy, duro y muy punk... pero la canción “The Man Who Sold the World” no lo es, ni en la versión de Nirvana. 

6. Van Halen ¡El punk atómico! ¿Necesito decir más…o menos? 

7. Alice In Chains Si, su música es considerada Grunge, pero ellos lo pillaron de los punks. 

8. Jethro Tull La versión en directo de “Dharma for one” tiene mucho de punk, mi pelo se pone de punta sin necesidad de gel Dippity-Do (quiero decir, cuando tenía pelo) ¡Esto es Punk! 

9. Metallica ¡Ride the Lighting, perras! Y después perdieron todo su punk. 

10. Megadeth El primer álbum... si, ¡a los punks les gusta! 

Puedes sustituir cualquiera de estas bandas (excepto Jethro Tull) por King Diamond, Slayer o Venom…pero esta es mi historia y me mantengo fiel a ella. 

Paul Cripple tocó la guitarra en la querida banda punk-thrash pacifista Reagan Youth. Sostiene que “puedes acusarme por tomar el sonido DIY del primer disco de Reagan Youth y abandonarlo por el sonido heavy de “Red Metal” que perfeccionamos en “Jesus Was A Communist”. Black Metal, Speed Metal, death Metal, etc, etc... y hacer un cariñoso y caluroso brindis por Red Metal….¡colegas! 

LOS 10 MEJORES GUITARRISTAS SEGUN KID CONGO POWERS 

Los diez mejores estilistas a la guitarra que podría escuchar siempre… 

1.Bo Diddley 

2. Poison Ivy (Cramps) 

3. Marc Bolan (T.Rex) 

4. Lydia Lunch (Teenage Jesus & the Jerks) 

5. John Lee Hooker 

6. Pat Place (the Contortions/Bush Tetras) 

7. Limk Wray 

8. Hasil Adkins 

9. Nafloyd Scott (James brown) 

10. Aurelio valle (Calla) 

Kid Congo Powers fue miembro de the Cramps, Gun Club y Nick Cave & the Bad Seeds y una vez fue señalado por la revista Time Out como el tipo con el aspecto más guay de New York. Normalmente encabeza Kid Congo Powers y the Pink Monkey Birds. 

LOS 8 MEJORES BAJISTAS PUNK SEGÚN JEFF AMENT DE PEARL JAM 

1.Dee Dee Ramone (Ramones) Escribió algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y se comprometió duramente a tocar esa mierda, incluso sin tener mucha técnica. ¿He mencionado que su aspecto molaba más que el de James Dean? 

2. Bruce Foxton (the Jam) El Paul McCartmey del mundo Punk. Escribió algunas de las mejores líneas de bajo, y cantaba harmónicamente en la mayoría de los éxitos ¡con un perverso peinado Mullet punk también! 

3. Jah Wobble El disco Second Edition de PIL es uno de los LPs Punk más funk, y la mayoría de las canciones gira alrededor de las divagaciones de Wobble. 

4. J.J. Burnel (Stranglers) El mejor tono de siempre. “Peaches” lo tiene todo: grandes líneas, un tono y unas letras geniales. 

5. Rainy (Discharge) Enfermizo, un bajo repleto de metanfetamina. “Warning” me hace querer romperlo todo. 

6. Klaus Flouride (Dead Kennedys) Tuvimos que tocar con los DKs, y Klaus fue un gran interprete que escribió grandes líneas. Puso el listón muy alto para mí. Muchas líneas de bajo buenas, “Holidays…, Bleed for me” y “I Am the Owl” 

7. Chuck Dukowski (Black Flag) El bajista más visceral que he visto nunca. Exprimía dolor de su bajo. “Damaged” tiene un montón de buena mierda sonando en la parte baja. Y escribió grandes letras. 

8. Mike Watt (Minutemen) Prolífico y un rompedor de reglas, punk rock en esencia. Los primeros conciertos de Minutemen eran de lo mejor de esa época. Es otro gran bajista/escritor de canciones cuyo estilo nunca ha sido copiado… y todavía lo hace. 

El Punk rock murió alrededor del 85, así que esto es todo. 

Jeff Ament es fundador de Mother Love Bone, y la más importante, Pearl Jam – una de las más grandes bandas rock de las últimas dos décadas. Jeff sabe que solo puedes destruir el sistema desde dentro. 

LOS 10 PEDALES FUZZ FAVORITOS DE J. MASCIS 

1.Big Muff Land’s Head 

2. Superfuzz 

3. Shinei Fuzz Wah 

4. Fuzzface 

5. Big Cheese 

6. Fuzz Factory 

7. Jordan Bosstone 

8. Fender Blender 

9. Vox Tone Bender 3 Knob 

10. Foxx Tone Machine. 

J.Mascis es el fundador de una de las primeras y mejores bandas de Hardcore al oeste de Massachusetts, Deep Wound. En los 80 y los 90 consiguió fama y fortuna como frontman de Dinosaur Jr. Él tocaba su guitarra muy alta. 

LOS 10 MEJORES SOLOS DE GUITARRA DEL PUNK SEGÚN GILBY CLARKE 

Lo sé – se supone que no debe haber solos en el punk. Pero como en todo, esto no es cierto del todo. Aquí están mis favoritos, en orden ascendente. 

10. We Want The Airwaves (Ramones) – Johnny Ramone llevaba su guitarra más bajo que nadie. 

9. Search & Destroy (Stooges) – Unas pocas Les Pauls fueron destrozadas en este corte. 

8. Neat, Neat, Neat (Damned) – Brian James hizo su mejor Chuck Berry. 

7. Chatterbox (New York Dolls) – Johnny Thunders hizo su mejor Chuck Berry. 

6. Did You No Wrong (Sex Pistols) – Steve Jones me contó que hacía las canciones de los SP con un Vox AC30, el ampli que usaban los Beatles. 

5. White Girl (X) - Solo Billy Zoom y su Gretsch. 

4. Running With the Boss Sound (Generation X) – El bajo aguanta con una nota durante el solo. ¿Por qué nadie ha hecho esto? Perfecto 

3. Stay Free (the Clash) – Mick Jones estaba imitando a Mick Ronson, y lo mata. 

2. Beat Her With a Rake (Weazels) – Y hazle pagar por su error. 

1. Kick Out The Jams (MC5) – Wayne Kramer destrozando una Strato, el mejor sonido con una guitarra desafinada de todos los tiempos. 

Gilby Clarke creció en el lugar de nacimiento del R&R, Cleveland, Ohio. Todo lo que él quería era tocar la guitarra en una ruidosa banda de R&R. Tuvo la oportunidad cuando se unió a la banda más peligrosa de su época: Guns’n’Roses. Sobrevivió a la gigantesca gira de Use Your Illusion, la cual acabó después de dos años y medio; videos épicos de la MTV (con presupuestos exagerados que podrían financiar un país del tercer mundo); y sesiones de grabación que duraban años. Cuando la banda se separó, Gilby se lo montó en solitario, grabando cinco discos después de GNR. También ha tocado la guitarra en Snakepit, el grupo de Slash, Heart, DKT/MC5 y Nancy Sinatra. Ha producido a numerosos artistas como Bronx, L.A. Guns y uno de los héroes de su infancia, Alice Cooper, en su estudio casero Redrum Recording. Gilby, Tommy Lee y Jason Newsted formaron una nueva banda para el show producido por Mark Burnett Rock Star Supernova. 

LAS 10 FAVORITAS DE MICHAEL DAVIES DE MC5 DEL SELLO MOTOWN 

1.Contract on Love (Stevie Wonder) El órgano Hammond B3 de Earl Van Dyke es de lo más marchoso y tiene el sonido menea culos que he escuchado desde los 15 años, y me empujó a un absoluto y transcendental cambio mental adolescente. Aunque las voces de apoyo no son muy elegantes. 

2. Look What You’ve Done (Smookey Robinson & the Miracles) La última balada de amor adolescente en Do, Sol menor, Mi y Fa. Lo que la hace tan especial además del increíble timbre de la voz de Smokey y las harmonías de los Miracles es la deliciosa parte de guitarra y la distintiva inflexión bajo/guitarra al final de cada estrofa. James Jamerson y Eddie Willis inventan una notación que, aunque simple, transmite la esencia del sonido Motown que estaba por venir. Este corte se hizo alrededor de 1959. 

3.What’s Going On/Mercy Me (Marvin Gaye) La obra maestra escrita e interpretada por Marvin Gaye, en la que está acompañado en su totalidad por los músicos de sesión de Motown, tan buenos como el equipo de futbol Detroit Lions y otros amigos personales. ¿Qué se puede decir sobre esta increíble canción? No solo llega al fondo de cada cuestión vieja o nueva de la existencia humana, encarna la interpretación quinta esencial de cada persona que tocó en esta grabación, y descubre el alma de toda la verdad. Esta canción puede provocar las lágrimas por cualquier buena razón. 

4. One More Heartache (Marvin Gaye) La sección rítmica de James Jamerson y Richard “Pistol” Allen (o Benny Benjamin a la batería) muestra al mundo que ese Groove es de lo que trata todo, que Motown es de lo que trata todo. Es más que un disco, es una máquina imparable. 

5. I’m Wondering (Stevie Wonder) En esta canción, Jamerson se convierte en la forma en que el bajo se tocara en los siguientes 25 años. Nadie lo tocó así antes. El sincronismo entre las notas, improvisadas la mayoría, y el trabajo del batería es asombroso, cautivador y sobre todo, emotivo. El sonido Motown ha llegado a la mesa. Puedo escoger docenas de canciones que ejemplifican la técnica y el talento de Jamerson, pero me resignare con esta porque es mi favorita, y la harmónica de Stevie le agrega un toque de calidad. 

6. Love Is Here (And Now You’re Gone) (Supremes) Sorprendentes coros; tono celestial, arreglos superiores. Una de las más ingeniosas y bonitas producciones de todos los tiempos. Producido probablemente por Gil Asky – No tengo esos temas delante de mí, así que desconozco los créditos. Inolvidable. 

7. Papa Was A Rolling Stone (Temptaions) La historia de cada chaval negro en el mundo. El uso increíble de varias voces principales es puro genio, cada chaval de la familia haciendo las preguntas. 

8. You Keep Me Hanging On (Supremes) ….” Y nada más puedo hacer por ello”, oowch. 

9. Bernadette (the Four Tops) Puedo elegir muchas canciones de Four Tops, y estoy seguro que hay otras que prefiero pero ahora no las puedo recordar. Elijo Bernadette porque llama a la lujuria y se agarra con pasión a las tripas. No sé quién es Bernadette, pero sé de lo que está hablando. Una vez más, Jamerson redobla y ofrece una línea de bajo incomparable. 

10. Love’s Gone Bad (The Underdogs) Banda de chicos blancos de Motown de mediados de los 60. Conocí al bajista de esta banda. Era un compañero excéntrico, pero un buen bajista, aunque no lo suficientemente bueno para tocar en esta sesión. De hecho, toda la banda de esta sesión es la gente habitual de Motown. Solo las voces principales están hechas por un miembro de la banda. De todos modos, es un buen tema – quizás no un gran tema, pero uno que me gusta escuchar desde siempre. Tengo que incluirla solo por su valor anómalo. 

Michael Davies era bajista, escritor de canciones, cantante, productor y pintor. Nació el 5 de junio de 1943 en Detroit, se ganó ser un ícono como bajista en los legendarios proto-punk MC5. Después de la espontanea combustión de la banda, Davies paso algún tiempo en la “Granja de Narcóticos” de la penitenciaria federal de Lexington, Kentucky. Una vez puesto en libertad, se unió a la banda artística noise punk Destroy All Monster por medio de su colega de Stooges Ron Asheton. Porque ser un ícono del rock no significa que las facturas estén pagadas, Davies giró con los reconstruidos MC5 conocidos como DKT; produjo discos; se estrelló con motos; hizo merchandise, pasó el rato en tiendas y parques de skate y en salas de urgencias de hospitales con sus hijos y lanzó una fundación sin ánimo de lucro para dar apoyo a la educación musical en las escuelas públicas, llamada Música es Revolución.

LAS 10 MEJORES CANCIONES DE TODOS LOS TIEMPOS DE JANE COUNTY 

10. “Blame it on the Bossa Nova” de Steve Lawrence and Eydie Gorme 

9.”Sunshine Superman” de Donovan 

8.”Lookin’Thru Gary Gilmore’s Eyes” de The Adverts 

7.”Dirty Water” de The Standells 

6.”Sandy” de Ronnie & the Daytonas 

5.”Feel Like I’m a Fixin’ to Die Rag” de Country Joe & the Fish 

4.”With God on Our Side” de Bob Dylan 

3.”I Ain’t Marching Anymore” de Phil Oaks 

2.”Play With Fire” de Rolling Stones 

1.”Universal Soldier” de Buffy Sainte-Marie & Donovan. 

Jayne (anteriormente Wayne) County y su banda los Electric Chairs alcanzaron notoriedad durante la primera época del punk en la ciudad de New York con su declaración de promiscuidad, “If you wanna don’t fuck me, then baby, fuck off!”. Puedes informarte sobre su disputa con Handsome Dick Manitoba en el libro Please Kill Me! De Legs McNeils. 

LOS 5 GRUPOS FAVORITOS RAROS DE CHICAS DE AMY GORE 

1. “Egyptian Shumba” (The Tammys) – Bizarro pop de otro mundo con gritos femeninos. Buena mierda de chicas que no se pueden auto ayudar – ¡ellas quieren Shumba!. 

2. “Camel Walk” (de Ike Turner, interpretada por las Ikettes) - ¿Qué significa? Ese no es el tema – es fácil de hacer, baby. 

3. “Terry” (Twinkle) – Ella es infiel, él murió en un accidente de motocicleta después de descubrirlo. Ella le implora que le espere en el cielo. ¿Qué le hace pensar que irán al mismo lugar?  

4. “Tie Me Tight” (Bob Kaily) – No es una canción de grupo de chicas real, está balada minimalista de R&B del hermano de Berry Gordy está envenenada con referencias sado maso y fanfarronadas.¡Tórrida! 

5. “Daddy You Gotta Let Him In” (The Satisfactions) – Papi, solo es un ángel del infierno fugado que necesita un lugar acogedor donde aparcar su moto. ¿Por favor? 

Amy Gore es la cantante y guitarrista del grupo garajero de Detroit Gore Gore Girls. 

LOS 10 ESCRITORES PUNK FAVORITOS DE JESSE MALIN (Y LAS DIEZ MEJORES BANDAS HC DE LOS 80) 

1. Joe Strummer/Mick Jones (Clash) 

2. Joey Ramone/Dee Dee Ramone (Ramones) 

3. Paul Weller (the Jam) 

4. Johnny Thunders/David Johansen (New York Dolls) 

5. Paul Westerberg (Replacements) 

6. Ian Mckaye (Minor Threat) 

7. Pete Shelley (Buzzcocks) 

8. Leonard Graves Phillips/Stan Lee (Dickies) 

9. Charlie Harper/Nick Garrett (U.K.Subs) 

10. Jimmy Zero (Dead Boys). 

LAS 10 MEJORES BANDAS DE HARDCORE 

1. Bad Brains 

2. Black Flag 

3. Dead Kennedys 

4. Circle Jerks 

5. Reagan Youth 

6. The Germs 

7. Murphy’s Law

 8. S.O.A. 

9. D.O.A. 

10. The Mob. 

Nacido en Flushing, Queens, Jesse formó su primera banda, Heart Attack, en 1981 e hizo el 7” God Is Dead con Damaged Goods Records. La banda editó otros dos trabajos y se disolvió en 1984. Jesse formó otra banda llamada Hope que nunca editó ningún disco y después formó D Generation con Howie Pyro y Dany Sage en el 91. Después de tres trabajos paras sellos grandes, incluyendo el avalado por la crítica No Lunch, Jesse hizo en 2002 su primer álbum en solitario, The Fine Art of Self destruction, seguido de The Heat y de Glitter in the Gutter. 

“PERLAS DE SION” DE LENNY KAYE: 

25 “ARTEFACTOS” REGGAE ORIGINALES 

Fui introducido al reggae a primeros de los setenta por Andy Paley, que había recuperado unos pocos 45” prensados a mano en Montego Bay, que incluía a los Maytals, Ethiopians, e incluía cortes de F.Mckay, atrapados por su sentido de la harmonía doo-wop y con ritmos y enganches enredados; el dialecto lo hacía parecer incluso más musical, y el jamaicano hablado es una de las más bonitas jergas inglesas que ha evolucionado a su propio dialecto. 

Viajando por Inglaterra, encontré una gran subcultura, un género de sueño obsesivo, repleto de puestos de mercados clandestinos y sellos arcaicos y locos visionarios fumando canutos: todo estampado con un mensaje de paz y amor y el victorioso León de Judá. Mi tipo de colección de discos. Estimulado por la figura carismática de Mar-I y por el roti-western (peli jamaicana) The Harder They Come, el reggae se convirtió en la banda sonora hacía un universo punk paralelo, una música rebelde enrollándose con la otra. 

Así, en la última gran década de los benditos singles, viajaba a los enclaves caribeños en Brooklyn y vagaba por las tiendas de discos, indagando en los últimos lotes de singles y seleccionando los profundamente atractivos. La música era paradójicamente dulce y agitadora, canciones de amor aguantaban el tirón con declaraciones de iluminados rasta, imágenes bíblicas de castigo y el fin del mundo rodeado de harmonías vocales y góspel de llamada y respuesta. 

En vista del esplendor de la música de Jah, esta lista de canciones es difícilmente exhaustiva, mucho menos comprensible. Los estilos varían en gran medida y con poco sentido, aunque con mucha rima. Algunos de los artistas que más respeto y su trabajo – Tapper Zukie y Ijahman Levi y Ras Michael con sus Sons of Negus y Burning Spear – no puede ser condensado en la duración de un CD de viejos éxitos verdes, rojos y dorados. Pero el bajo, conduce el coche, mami…. 

1. Tonight – Tommy McCook & the Supersonics 

2. Book of Rules – the Heptones 

3. Pictures on the Wall – Freddy McKay 

4. A Peculiar Man – the Gaylads 

5. Soldeering – the Starlites 

6. Scare Him – Toots & the Maytals

 7. Power Pressure – Cornell Campbell 

8. Think – the Marvels 

9. Maccabee Version – the Ethiopeans 

10. Revolutionary Dream – Pablo Moses 

11. I Man a Mafia – Lloyd Parks 

12. Space Flight (To Venus & Mars) – I Roy 

13. Fade Away – Junior Byles 

14. No Jestering – Carl Malcolm 

15. In a Dis a Time – the Itals 

16. Silver Words – Ken Boothe 

17. Screaming Target – Big Youth 

18. Chase the Devil – Max Romeo 

19. Right Time – the Mighty Diamonds 

20. Roast Fish and Cornbread – Lee “Scratch” Perry 

21. Cherry Oh Baby – Eric Donaldson 

22. Two Sevens Clash – Culture 

23. Rasta Pon Top – Twinkle Brothers 

24. Three Wise Men – Earth & Stone 

25. Satta and Massa Ganna – the Abyssinians. 

Como músico, escritor y productor de discos, Lenny Kaye ha estado íntimamente involucrado en el impulso creativo que distingue a la música. Ha sido guitarrista de la rockera-poeta Patti Smith desde el inicio de su banda hace más de 30 años, y es el coautor de Waylon, la historia vital de Waylon Jennings. Ha trabajado en estudio con artistas como Suzanne Vega, Jim Carroll, Soul Asylum, Kristen Hersh y Allen Ginsberg, así como con su propia musa. Su seminal antología de Garaje de los 60 “Nuggets” ha sido considerada por mucho tiempo como la definición de un género. Llámalo locura: The Sensuous Song of the Croon, un impresionante estudio de los cantantes románticos de 1930 fue publicado por Villard/Random House en 2004. Habitualmente giraba con la banda de Patti Smith celebrando la realización de su álbum de versiones de clásicos, Twelve, y escribió esto desde algún lugar de Dresde, Alemania y San Severini Marche, Italia en Junio/Julio de 2007.