El Rock de Malasaña apesta XI. Rock Palace Attacks

Rock Palace fue una idea de músicos. Músicos sin ningún sitio para ensayar. La idea era montar locales, pero una vez construidos los locales, nos convertimos en músicos sin discos y ni siquiera maquetas. Entonces entró Attack Studio. Montados por Los Imposibles en la segunda planta de Rock Palace, un estudio analógico, amplio y con técnicos realmente especializados en todo tipo de música, Attack era ideal para empezar a documentar a los grupos que pasan por ahí. Bueno, ya nos convertimos en músicos con producto pero sin ningún sitio donde tocar. Celebraba conciertos todos los fines de semana (la mayoría de grupos ensayan y graban también en Rock Palace) Pero como los músicos nunca quedan satisfechos, tuvimos que colaborar y sacarnos nosotros mismos un recopilatorio. No solo es un disco para promocionarnos, sino para difundir todo lo bueno que está pasando en Rock Palace. Un disco de los grupos que gustaban y que fue grabado en el estudio de Rock Palace. 
¡Larga vida al R&R y a Rock Palace!

Extracto del texto de contraportada que se incluía en el CD recopilatorio de bandas que ensayaban en Rock Palace redactado por Norah Findley y que te traemos como sentido homenaje a un lugar por donde pasaron desde Jon Spencer ys Blues Explosión

hasta un Ladys Ramone haciendo playback sobre su Somos Antisocial o unos imberbes Anyones de los que luego saldrían integrantes de Right Ons o de los garageros Nuggets


Y todo ello a ras de suelo y normalmente Gratix.
Cuenta la leyenda que en el tablón de anuncios Rip KC buscaban nuevo guitarrista y ponían que no sobrepasase cierta altura, para no desentonar en la alineación ¿realidad o ficción?
Si descubres en algún oscuro rincón de las pocas tiendas de discos que quedan una copia, no lo dudes y Go For It! sin pensarlo ya que lo que hay dentro te hará preguntarte por que no te pasaste más fines de semana ahí metido castigando tus oídos y tu hígado.











Lo dicho, si lo ves ¡cómpralo!


GOING UNDERGROUND 12. Tierra Quemada.

Adreanlin OD fue parte del principio de la escena, y aunque eran de New Jersey, tocaban en la ciudad bastante para ser considerada una banda de New York. Ellos definieron el genero del punk suburbano, y se deleitaban en su origen suburbano más que tratar de ocultarlo. Sus primeros trabajos fueron de lo mejor, con canciones como Trans Am – ‘… ya que mama está pagando tu seguro, no tienes que preocuparte de nada, excepto quizás dinero para gasolina, y apuesto a que puedes recoger un montón de chicas muy dulces en tu nuevo Trans Am, incluso todo el equipo de animadoras…’ – del Ep Let’s Barbeque. Creo que Trans Am fue probablemente la original inspiración de Bitchin’ Camaro de Dead Milkmen (Aunque los Milkmen nunca han admitido su falta de respeto, y la tradición de la rivalidad Pensylvania/New Jersey les previno de hacer eso, los miembros de Adrenalin siempre vieron a los Milkmen como unos recien llegados al divertido juego del punk). No solo eran AOD divertidos, sino que tenían una sorprendente velocidad y un zumbido intenso. El sello de AOD que empezó lanzando Let’s Barbeque se llamaba Buy Our Records, se convirtió en un saludable sello punk para las bandas de Philadelphia y New jersey.
‘Monté Buy Our Records para poder sacar nuestro primer Ep’, dice el cantante Paul Richard, que se inmortalizo él mismo en Paul’s Not Home, una estúpidamente simple pero brillante canción de NY Thrash. ‘Después de eso, deje a unos amigos usar ese nombre, ya que los distribuidores ya estaban familiarizados con él. Todos pagaban por sus propios discos en ese momento. Después de eso, otras personas con más dinero se lo tomaron en serio, en ese momento pasé de todo el asunto y solo fui una banda en el sello’.
El batería Dave Scott se metió en el punk en 1979 por medio de su medio hermana llamada Mick Jones, escritora de Mouth of the Rat, y cada vez que los Clash aparecían por New York, ella aparecía por los shows. Consiguió ver la gira del Give Em Enough Rope de frente y en el centro, lo cual fue como una experiencia religiosa para unos impresionables 14 años. Él recuerda la primera misión de Adrenalin OD cuando se juntaron, en una entrevista con Spontaneous Combustion:
‘La única dirección que tomamos cuando empezamos fue que queríamos ser la banda más rápida del mundo. Paul y yo estábamos muy metidos en la escena de DC y LA. Black Flag, Circle Jerks, SOA, Minor Threat. Lo de tontos es realmente porque somos unos hijos de puta tontos en la vida real. Teníamos esa especie de conexión de equipo cómico. Éramos graciosos dentro y fuera del escenario. Todo lo del escenario era 100% espontaneo y es por lo que a la gente le encantaban los shows en directo’.
The Nihilistics eran un grupo de tipos que tomaban su nombre un poco demasiado en serio con la imagen que ellos cultivaban, pero producían música poderosa. Una de las más infames peleas que ocurrió entre los públicos de Boston y New York fue cuando los DYS de Boston tocaron un show en el Rock Hotel con los Nihilitics. Al igual que TSOL, ellos eran el último grupo con los que quisieras pelearte. Jack Rabid los recuerda muy bien debido a su rol como sus protectores por un tiempo.
‘Muchos chicos hardcore del 84 se dedicaban a perseguir homosexuales. Una foto de Harley Flanagan (batería de los Stimulators y de Murphy’s Law) salía en una revista gay con un ‘cuidado con este tipo’. Golpeaban con saña a los hombres homosexuales. Recuerdo escribir sobre ese chico hardcore que había sido empujado a una vía del tren por una pandilla de metaleros y acabo muerto, fue asesinado. Yo dije, esto es un acto atroz, pero ¿es menos atroz andar con una palanca golpeando a un gay sin sentido? ¿No es lo mismo que juzgar a otra persona por algo como su personalidad? Por supuesto, la agudeza intelectual de esos chicos hardcore débiles de mente de mediados de los 80 fue tal que decidió que yo era una persona horrible y que había comparado a su camarada caído con un gay en su lógica retorcida. Así que de repente, yo era alguien que había que golpear. Olvídate de los gays, vamos a golpear a Jack Rabid’
‘Durante semanas estuve mirando por mi ventana y los veía esperarme, justo ahí abajo, en la calle. Se puso de tal modo que no podía salir de mi casa. Quiero decir que no importaba si yo fuese como Hulk, no voy a dar de ostias a 7 personas. Algunas veces subían las escaleras y llamaban al timbre, y no había forma de salir. Tuve que pillar a los Nihilistics de guardaespaldas si quería ver un concierto. Cuatro de ellos me rodeaban mirando a la gente. No podían tocarme. Era hilarante. Caminaba como si tuviera una nube alrededor. Si te andabas con bromas con Mike de los Nihilistics, lo ibas a pagar. Mas tarde fue guardia de Riker. Los convictos más serios y endurecidos que el sistema de Nueva York podía escupir, no aceptaban ninguna mierda, y mucho menos un grupo de chiflados de 17 años de edad. Solo me quedaba allí, ‘hmmm, ahhh, ¿no es este un gran show?’ y él gruñía, ‘si, es un show genial, Jack, no te preocupes, te cubrimos tu espalda’ Eran unos amigos geniales si te atacaban’.
Los Nihilistics mantuvieron seguidores fieles en la escena, vendiendo entre 25 y 30000 copias de su álbum debut a finales de 1984. El guitarrista Chris T y Mike King se juntaron en el instituto de Linderhurst en el South Shore de Long Island, y a finales de 1979 se asentaron con Ron Rancid como cantante. Sus conciertos eran intensamente caóticos, ya que se empeñaban en agredir a sus audiencias con un bombardeo musical y abuso verbal solo por desilusionar a cualquiera de pensar que sus raíces de Long Island los hacía más suaves que las bandas que vivían en el Lower East Side. Tenían una visión mixta sobre las felices audiencias que se desarrollaron con el paso del tiempo, pero pensaba que todo formaba parte de la filosofía de "ignorar a los héroes" que hizo del punk lo que era.
‘Si es una genuina reacción al contenido lírico de la música, no me importa’. Le contaba Ron Rancid a Newsday después de un concierto en otoño del 84 en el CBGB, hablando con los labios ensangrentados después de las violencias lúdicas con el guitarra de Agnostic Front Vinnie Stigma y otros fans. ‘Es como un partido de futbol en el que hay un equipo de 4 personas contra 5 equipos completos. Así es como a veces te sientes. Tiene que ver con la rebeldía contra la imagen de estrella del rock – ‘no me toques, soy mejor que tu idea. No somos mejores que nadie. Somos iguales. No somos testigos; queremos participar’
Los Beastie Boys fueron una de las inesperadas historias de mega éxito en emanar de la escena hardcore de NYC, pero al mismo tiempo quizás no fue una sorpresa. Su fase hardcore en realidad no fue muy larga, y se tomaron toda la escena con la menor seriedad posible. El ex cantante de Even Worse John Berry, Kate Schellendbach y Michale Diamond habían tocado juntos en otra banda y reclutaron a un fan solitario para tocar con ellos. Querían un nombre estúpido como Angry Samoans, así que John Berry apareció con Beastie Boys, que venía de Chicos que Entran en Estados Anárquicos Hacía la Excelencia Interna.
Su primer concierto fue en agosto de 1981 en el loft de John Berry, por el cumpleaños de Adam Youth. Desde allí fueron a hacer su primer show en un pequeño antro llamado el A7, que era el que se usaba principalmente por las bandas incipientes Thrash de NYC. La explosión principal de los Beastie Boys llegó cuando los Bad Brains les ofrecieron abrir en el show de clausura del legendario club de New York, el Max’s Kansas City. Darryl Jennifer de Bad Brains recuerda divertido mezclar a los Beastie Boys con la ortodoxia Rasta, y como les rebotó en la cara. Mientras que el rollo de los Bad Brains podía funcionar en el racialmente dividido DC, New York era como un crisol de culturas viviendo mezclados que nada le inmutaba. Mike Diamond estuvo a la altura del desafío y fundó otra banda llamada Lucifer’s Heretical Imperial Knights of Schism, llevando una fregona en su cabeza y burlándose del falso acento jamaicano de los Bad Brains. Los Knights tocaron un infame concierto el club 2+2, entre la calle 2 y la Avd. 2 en septiembre del 82. El propietario del A7, Dave Gibson estaba buscando un lugar más amplio, y el 2+2 fue una continuación de corta vida del A7 que solo duro unos pocos meses. Acompañados de Reagan Youth, MDC y Bloodclot, el tema de la noche fue bajarle los humos a los Bad Brains.
Mike Diamond encabezaba a los Knights y leia un panfleto llamado ‘¿Qué es el rastafarismo?’ mientras la banda hacía ruido disonante. Señalando diferentes fotos del panfleto, el bromeaba:
‘OK, esto es Jah… mira, aquí está la abuela de Jah… compruébelo usted mismo. Jah es el mejor amigo de Edie’.
El público rugía de la risa. Nadie en New York se tomo las creencias rasta de los Bad Brains demasiado en serio, y pensaban que podían soportar algo de crítica ácida. Dave ‘Insurgent’ Rubinstein, cantante de Reagan Youth, tocaba la batería con los Knights y presentó una canción llamada Floating in a Perpetually Fluctuating Sea of Schism, en el momento en que Earl Hudson de los Bad Brains se abalanzo hacía el micro y declaro el concierto terminado, avisando:
‘Todos debemos ser responsables de nuestros actos’
Dave Insurgent declaro que el micro estaba abierto y que el concierto no había terminado, y alguno de los amigos de los Bad Brains se subieron al micrófono y calentaron a la multitud con la palabra "bloodclot". Beber cerveza es bloodclot, las cabezas calvas son bloodclot y cuestionar la sabiduría de Jah es bloodclot. Dave Dictor de los MDC agarro el micro y soltó una bronca categórica sobre todos ‘los crímenes’ que los Bad Brains habían cometido en el pasado año, lo cual hizo que la situación degenerase rápidamente. Dave Gibson, el propietario del 2+2, mandó a todo el mundo fuera a discutir, lo cual la multitud logró hacer sin recurrir a pelearse. La escena de NY era todavía pacífica en ese momento para poder tener este tipo de enfrentamientos sin que queden rencores.
Después de sus muchas separaciones, los Beastie Boys encontraron un campeón en Dave Parsons, que llevaba Ratcage Records. Parsons fue una de las primeras personas en la ciudad – que no estaba en un grupo – en montar un sello discográfico, y desde su primera llegada a New York había sido una parte importante de la escena. Trasplantado desde South Florida, llevó consigo un fanzine llamado Mouth of the Rat (traducción al ingles de la ciudad Boca de Ratón) a finales de 1979, y estuvo deprimido al principio al no encontrar nada nuevo que estuviese sucediendo. Luego descubrió a los Stimulators y al público que salía con ellos, y se quedo profundamente impresionado. Los Stimulators eran más o menos del principio de la nueva escena, y casi los únicos en la ciudad en ese momento para aquellos que buscaban más allá de la rápida muerte de la escena punk de los 70.
Parsons empezó a salir con la peña de los Stimulators tanto que puso en espera sus planes de sacar una copia de su fanzine. Su colega fue asaltado y regreso a Florida, y su vida tenía tendencia a gravitar alrededor de los hechos en el 171 Avenue A, donde Jerry Williams estaba tratando de montar un club a finales de 1980. Williams hacía el sonido, ayudaba a montar el escenario y lo puso en marcha con la ayuda de su socio Scott Jarvis. Parsons se vio involucrado y consiguió que la gente saliera por ahí, ya que parecía un buen lugar para que las bandas locales empezasen. Los propietarios tenían ambición en que el local se convirtiera en un gran after-hours, pero cada vez que se montaban shows, la policía aparecía. Finalmente, los bomberos lo clausuraron, pero Parsons y algunos más lo ocuparon para usarlo como local de ensayo. Una vez que Williams decidió convertirlo en los estudios 171-A, todos fueron expulsados. El estudio se hizo famoso porque fue donde los Bad Brains grabaron sus legendarias sesiones para la cassette ROIR. William y Jarvis habían tocado en una banda llamada Th’Cigarretz en North Caroline y habían llegado a conocer a Bad Brains cuando HR y compañía estaban tocando en Chapell Hill en 1980.
Dave Parsons se mudó a St Mark Place, y acabo vendiendo su colección de discos en la calle para pagar el alquiler. Saco tanto dinero que él y su amiga Cathy decidieron salir y comprar más discos para volver a intentar venderlos, y pronto acabaron regresando al 171-A donde abrieron su primera tienda. En menos de un año cambio Ratcage Records a East 9th St, y permaneció como el principal centro de reunión de los punks intentando conseguir material nuevo que nadie más llevaba.
El sueño de Parsons después de montar su primera tienda era empezar un sello discográfico, y lo hizo con los Beastie Boys como primera banda. Los miembros del grupo habían sido parte del público que seguía a los Stimulators por los que él había sentido atracción y de los que había escrito, así que ellos eran una apuesta lógica. Parsons convenció a los Beastie Boys para juntarse de nuevo para grabar en los 171-A Estudios en abril de 1982, justo encima de la tienda. Sacaron Pollywog Stew y se separaron de nuevo. En un arranque de memoria selectiva, Adam Youch les caricaturizaba en Beastie Boys Anthology como primer ‘hardcore’ más que banda punk de la escena de NYC, aunque Heart Attack, Kraut y Adrenalin OD eran anteriores a ellos y tocaban con mayor intensidad. Los Beatie Boys hardcore realmente no tocaron muchos conciertos, y – salvo por ser uno de los pocos afortunados en tener un vinilo editado – habrían sido una banda de la escena NYHC olvidada de no tener éxito con el hip-hop que le otorgo tanta importancia a su rol.
Sustituyendo a Berry a las voces con el fan de Beastie Adam Horovitz de los Young y los Useless, fueron a un estudio disco a grabar. Para sorpresa suya, sus grabaciones sonaban horrorosas en ese entorno extraño. Habiendo empezado a coleccionar discos de 12” de los primeros raperos, la banda tocaba con otros sonidos y se les ocurrió algo que les resultó agradable en Cooky Puss y Beastie Revolution. Parsons lo saco en Ratcage de nuevo, y para sorpresa suya, la radio escolar empezó a pincharlo regularmente. Brittish Airwaves incluso pirateo un trozo para un anuncio, y el acuerdo sobre esto fue el primer dinero real que la banda vio por sus primeros trabajos. Kate Schellenbach fue destituida silenciosamente para ayudar a la transformación de su imagen hacía una banda hip-hop, y el resto es una historia bien conocida. Con la primera salida de Donna Baril de los False Prophets, de repente la escena paso de tener dos baterías femeninas a ninguna. La fotógrafa Justine Davies recuerda a Baril como una inspiración para las chicas de la escena.
‘Donna fue una de las pocas músicas femeninas que vi, y aparte de Kate de los Beastie Boys, una de las pocas baterías femeninas. ¡Yo pensaba que ella era increíble! Era una batería muy fuerte y creativa. Me encantaban los riffs que hacía en las canciones de los False Prophets’.
Even Worse era la única banda hardcore neoyorquina con cantante femenina, y Jack rabid era su batería. El deseaba que tuvieran la oportunidad de hacer más, pero al igual que las otras bandas de NYC, se vieron obstaculizados por la pobreza crónica.
‘Recuerdo cuando 240 dólares al mes parecía un montón de dinero por el alquiler, repartidos en 3 eran a 80 pavos y aun así debíamos rebuscar para conseguirlos. El primer año sin teléfono. Cuatro meses sin electricidad. Nos sentábamos en las oscuras noches con lamparas de keroseno como si fuese el siglo XIX. Era distinto a otras ciudades, en lo que respecta a que hacíamos vida alrededor de los clubs, justo en el centro de la ciudad. El centro en DC o en Boston era más pequeño, y en realidad nadie vivía en el centro. O los clubs estaban fuera de esa zona en lugares como Cambridge. Todos vivíamos justo aquí, queríamos estar cerca de la acción. No era muy blanco, ya que los vecindarios estaban mezclados – puertorriqueños, negros. Viejos judíos’.
‘Tocamos un concierto en el 83 con la banda de Mike Board, Artless, y Minor Threat en Gildersleeves. Un cartel interesante ya que los fans del hardcore odiaban a Artless y a nosotros. Eso fue en la época de Thurston Moore en Even Worse, cuando solo existíamos para cabrear a los chicos hardcore. Tengo algunas cintas de extraños acoples y chillidos durante 2 o 3 minutos, y la gente gritando ‘apestas’. Lyle Presslar y Jeff Nelson dijeron, ‘nos gusta tu banda, eres un batería genial’ de lo cual me enorgullecí. No creo que lo entendiesen, pero creo que en privado les gustaba más que otras bandas mierdosas thrash. Tocábamos canciones punk rock, pero entre medias regañábamos al público. Kenny estaba allí arriba diciendo, ‘bueno, es la hora del porque odio a Even Worse en 20 palabras o menos. Gritemoslo todos a la vez’
Los recuerdos de Thurston Moore de su estancia no son especialmente benévolos, ya que él no tenía idea de que Rabid estaba tan harto del hardcore como lo estaba en esa época.
‘Empecé a ir a esos conciertos hardcore y allí conocí a Rabid’, decía Moore en una entrevista en Force Exposure de 1985. ‘Empezamos a hablar y él me dijo que Even Worse necesitaban un guitarrista. No tenía ni idea de que eran una banda de broma. Jack tenía canciones como last Night’s Blimpie y Tim Sommer era el bajista. Tim era el Mr. Hardcore y yo era más experimental- como querer tocar feedbacks y tocar las narices. Aunque hicimos grandes conciertos. Hicimos uno con Channel 3 y me olvidé mi amplificador en el local de ensayo, así que pedí prestado el suyo. Y lo subí al máximo y se rompió. Se reventó y el tipo quería que se lo pagase. Le dije, ‘hey tío, lo siento’ Más tarde cuando los vi tocar en el CBGB, se desvivían por chocar conmigo cada vez que pasaban’
Cuando se cerraron el A7 y el Gildersleeves, el CBGB era el único sitio para que pudieran tocar los grupos locales. Los ‘dance party’ los sábados por la tarde en el CBGB eran un punto de encuentro semanal para la escena punk, presentando 3 bandas locales, y se cambió a los domingos añadiendo grupos al cartel. Las bandas sobrevivieron a esta reestructuración de la escena, pero New York nunca fue tan diverso pero cohesionado como había sido entre 1981-1982.
‘Lo que teníamos de bueno en Nueva York’, recuerda Jack Rabid, ‘lo cual Tim Sommer puntualizo en un artículo de Sounds, era un contenido de fondo. No nos importaba de qué color eras, cual era tu sexo, nadie pensaba sobre ello. Nadie estaba pensando, ‘hey, eres asiática, ¿Qué haces en un grupo? Era tan natural como si hubiese habido millones de mujeres asiáticas en grupos musicales durante los últimos 5000 años. A nadie le importaba una mierda si eras gay, heterosexual, viejo o joven, eso no importaba. Era como una escena pequeña en la que estabas porque te gustaba la música, eso era lo que importaba. Podíamos tener a un tipo bizarro como Stephan charlando a 5000 millas por hora y eso estaba bien’
Cuando bandas como Murphy’s Law y Agnostic Front empezaron a atraer a muchos skinheads, la violencia en la escena, sin embargo, se volvió más habitual. Enfrentados a la hostilidad del público de DC y Bostón, New York se defendió para intentar mantener su reputación como la ciudad más dura del país. Toda una mitología y movimiento se construyó alrededor de ‘las calles de mala muerte’ del hardcore. Más que abrazar el individualismo, muchos chavales se vieron atraídos a estar en una pandilla. Según el nuevo estilo conducía al público artístico fuera del punk, los Swans, Love Skull y Sonic Youth pasaron a ser los favoritos de los medios underground de la ciudad con su sonido ‘art noise’ La escena hardcore se volvió más grande y joven, continuando la tendencia cada pocos años por toda la nación de los jóvenes derrocando a los más viejos. Al principio estaban las bandas New York Tharsh tomando la escena punk de los 70, y ahora eran cada vez más jóvenes y duros empujándoles a la salida. Heart Attack y Kraut se mantuvieron sacando buenos discos durante 1985 y disfrutando de éxito local al igual que los Nihilistics.
Mi primer viaje a New York fue en una semana sin clases en otoño del 83. Subí a visitar a mi tío, compré un ejemplar del Village Voice para ver quien iba a tocar y descubrí una manera de vagar por la ciudad más allá de la medianoche casi todos los días de la semana. Fui a ver a Borscht y Kraut en el CBGB, pillé un pase de medianoche para ver la Naranja Mecánica y para mi asombroso descubrimiento, los Dickies estaban tocando en el Peppermint Loungue. En esa época todavía no estaba muy expuesto al hardcore, mientras que había estado escuchando a los Dickies desde hacía años y no podía creer mi buena suerte. El show fue de lo más destacado de mi joven vida y todavía es uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida.
Toda la sala estaba llena de gente y me las ingenie para luchar por mi sitio delante entre ambos sets. Leonard nos golpeó por toda la cabeza con su Curb Job, presentando su marioneta pene durante If Stuart Could Talk, y mantuvo a todo el mundo riéndose con las interminables payasadas en el escenario. (Cuando le mencione el concierto a Stan Lee 16 años después, un entusiasta resplandor de reconocimiento apareció en sus ojos y dijo, ‘si, ese fue uno de nuestros mejores conciertos de siempre’) El concierto del Peppermint fue en los últimos días de sus años de gloria, de donde vienen The Incredible Shrinking Dickies, Dawn of the Dickies y Stukas over Disneyland. Había habido un lapsus de 3 años entre el segundo y el tercer disco debido a que Chuck Wagon, su teclista, se suicidó. Su muerte hizo que la banda se separara un tiempo, pero para el verano del 82 volvieron rugiendo. El parón hizo que la banda perdiese su contrato discográfico, y se instalaron de nuevo como banda underground.
Mientras que los Dickies descendieron al nivel indie, el flirteo de Bad Brains con el gran público se fue retrasando. Tenían talento y audiencia, pero se vieron obstaculizados por el comportamiento errático de HR y su rechazo a cada oferta recibida por un sello mayor. La mayoría de sus fans asumían que eran demasiado intensos para un sello grande.
‘Las bandas originales de New York entre los años 73-77 consiguieron contratos, editaron discos’, se lamentaba Jack Rabid, ‘Tuvieron poco tiempo para perfeccionar su trabajo, competir con otros grupos y ser realmente buenos y luego cada uno de ellos empezaron a hacer álbumes a mansalva. Nosotros no tenemos esa oportunidad. Incluso el primer disco de los Bad Brains era solo en cassette, por el jodido amor de Dios. ¿Qué te dice esto? Llevaban grandes audiencias, lo vendían todo en el Peppermint Loungue, 800 personas, y no podían conseguir un contrato’
La suerte les pareció cambiar a los Bad brains cuando Ric Ocasek de los Cars se les acercó para producirlos un disco. El resultado fue el fluido y de alta calidad trabajo de estudio Rock For Light, casi universalmente despreciado por sus fans como una castración de su sonido. La mayoría de las canciones eran las mismas de la cassette ROIR, pero carecía de la misma ruda intensidad. Como era el único vinilo disponible de esa época yo pensaba que era bueno, especialmente cuando lo ponía tan alto que hacía daño a mis oídos. Su asalto sónico empequeñecía a cualquier banda, así que sólo se puede bajar el listón hasta cierto punto.
La banda continúo siendo un imán para la controversia, atrayendo las críticas de los punks de DC que odiaban su giro rasta y solo querían recordar a ‘sus’ Bad Brains, así como de sus compañeros de los grupos de New York que encontraban su mensaje de unidad como hipócrita. La banda estaba más cómoda en la diversidad de New York y Darryl Jenifer explicaba su mudanza en una entrevista con Damaged Gods como producto de la insipidez de DC.
‘Si vivo en DC y trabajo en DC, se convertirá en una escena aburrida’
A pesar de su desacuerdo con la intolerancia Rasta, Ian Mckaye todavía respetaba a los Bad Brains lo suficiente como visionarios y que cuando HR le contó durante la separación de Minor Threat entre los años 1981-82 que él no había terminado lo que había comenzado y que los chavales le necesitaban, Mckaye fue empujado a moverse en la dirección de reformar a Minor Threat. Dave Parsons de Ratcage rápidamente se movió para defender a Bad Brains de los ataques contra ellos, incluso estando muy decepcionado cuando HR le dijo un día que él necesitaba leer la biblia. Dave Dictor de MDC, su peor crítico en esos tiempos reconocía las razones que habían llevado a Bad Brains a la dirección que habían tomado, pero señaló que, en lugar de seguir la táctica revolucionaria original, querían ser ahora los israelitas del mundo moderno, y erróneamente pensaban que regresando a la religión y a las viejas formas iban a solventar sus problemas.
‘Somos un grupo gospel’, le contaba Darryl Jenifer a Damaged Goods. ‘Queremos unir a tanta gente como pueda venir a los clubs a ver grupos y divertirse. No venir bebido y puesto de Qualludes. Toda la escena es negativa. Lo que principalmente queremos ver que suceda es una actitud positiva. Si todo el mundo está bien, todo estará bien. Desafortunadamente, todo el mundo está metido en un viaje negativo. No es difícil – la gente pensara que suena un poco hippie - pero no es difícil de hacer. Es como si la gente sale a intentar hacer daño a alguien. Pero si todo el mundo se mantiene en su propio camino de una forma positiva, todo estará bien’.
Unos cuantos críticos rock de New York estaban entusiasmados con el hardcore – Tim Sommer escribía para Sounds, e Ira Kaplan escribía para varias publicaciones – pero el Village Voice y su guru musical, Robert Christgau, no estaba particularmente interesado. Incluso cuando el sonido post-hardcore de Sonic Youth se desarrolló, Christgau torcía su nariz. Thurston Moore se lo contaba a Forced Exposure:
‘El hecho de que era el único de los que decía quienes podían tener visibilidad en NYC nos estaba poniendo de los nervios. Christgau empezó a ser puesto en duda por gente como Tim Sommer, que realmente quería escribir de nosotros. Y Christgau decía, ‘Si, yo no lo veo’ Así que finalmente decidió hacer un articulo sobre nosotros y consiguió a ese tipo llamado Picarella... y fue realmente un rollo desagradable lo que escribieron de nosotros. Le escribí una carta que era una diatriba y el me respondió que no importaba. Después de eso quise escribir una canción sobre el tema y resultó ser un consejo para enamorados – Kill Yr Idols. Así que la sacamos y la gente empezó a investigar sobre ello. Y estaba recibiendo llamadas de gente como Giorgo Gomelski, que quería montar un festival anti Christgau. Mi sensación era que habíamos dicho lo que teníamos que decir. No tengo la necesidad de seguir atacando a ese tipo. Una noche él fue a ver a los Replacements y un chaval intentó quemarlo. Él nos culpaba. ‘Grupos como Sonic Youth están diciendo a los chavales que me asesinen’. Y se estaba volviendo paranoico. Me escribió una carta diciendo, ‘No esperes nunca ver vuestros discos en la guía del consumidor de Christgau’ Le respondí irónicamente, ‘¡Que putada!’
Mi hermano hizo su primer peregrinaje a New York un año antes que yo, y pudo ver un montón de bandas de la escena de NYC. Vio un concierto matutino con los Beastie Boys y Reagan Youth, otro con Bad Brains, Scream y Double O esa misma noche y a los Meat Puppets a la tarde siguiente, todo en el CBGB. ¡Hablamos de 24 horas de punk! También vio a Public Image en el Brooklyn Zoo, False Prophets y Kraut en el A7 (lo cual lamentó profundamente ya que más tarde descubrió que Mission of Burma tocaban esa noche) y una buena cantidad de conciertos en los alrededores del Lower East Side.

Uno de los recuerdos más divertidos viene de un show en el CBGB, como resultado de algo que sucedió durante el repertorio de Scream. Skeeter Thompson salió disparado hacía el público llevando puesto un casco de motorista. Eso fue un rollo un poco antideportivo para hacerlo en un concierto punk – no por hacer de bala de cañón ya que llevaba protección al hacerlo. Algún tipo flaco al que golpeo vino por detrás mientras Skeeter estaba viendo alguna de las otras bandas y le pateo en el culo golpeándole. Skeeter se levanto enfurecido y mientras la gente los separaba, echaba humo enfurecido, ‘¡No vuelvas a patearme el culo nunca más!’ Su agresor ha crecido y probablemente tenga hijos ahora, y les puede contar de verdad – ‘Hey, ¿conocéis esa canción de Foo Fighters? ¿Just Another Story About Skeeter Thompson? Yo también tengo una historia sobre eso, yo le patee el culo en el CBGB’
Mirando a la juventud en el nuevo milenio, Jack Rabid tiene recuerdos agridulces. Él no habría cambiado esas experiencias por nada, y son en gran medida lo que influyo a la música underground. Por otro lado, él mira a las escenas de DC, Boston, Chicago y de otras ciudades y se pregunta un poco sobre lo que podría haber sido.
‘Para una ciudad castigada y poco amigable, éramos los menos sospechosos. La gente pensaba que teníamos esas ventajas naturales, y las teníamos, pero también teníamos a toda una escena musical arraigada que no nos respetaba, que no se creía que existíamos. Recuerdo hacer un par de intentos con Ed Ballman que llevaba 99 Records, que le gustaba otro tipo de música y nos respetaba, y monto un cartel con Treacherous Three y Heart Attack en el Hotel Diplomat.  Fue muy divertido. Fue nuestro último intento de recordar a la gente que el hardcore era parte de la música underground, que no era un rollo aparte. Pero no nos respaldaban. Le di la espalda del todo a la escena en 1983, pero me mantuve dentro haciendo de Dj en los shows del Rock Hotel, y todavía vi a todas las bandas que aparecieron en los siguientes 8 años. Eso estuvo bien ya que no tenía problemas con las bandas, era la escena lo que no me gustaba’. 

La única y autentica Biblia del Heavy-Metal: Letra Q

 






VORTEX 8. ¿Qué diría Lester Bangs de ellos?

 

Tiempos de revistas y fanzines en papel, se tocaban, se olían... corriendo te acercas al kiosko de cabecera de tu barrio bien entrado el mes, has tardado demasiado en conseguir financiación para agenciarte el número de ese mes, pero mantienes la esperanza de que quede algún ejemplar. Delante de ti un melenudo le pide a la quiosquera lo mismo que tú pretendes, rezas a los dioses del averno para que no sea el último ejemplar pero tus peores pensamientos se hacen realidad... ¡agotado!  y te alejas refunfuñando y masticando tu odio hacía ese ignorante que tus prejuicios ya te han convencido de que no va saber apreciarlo.
Pasan los años y como Eskorbuto berreaban, buscas en la basura algo mejor. Puede ser un contenedor de escombros con los desechos de una obra, una bolsa de basura o una esquina con orines de perro o de algún borracho que la ha empapado con el contenido de su vejiga repleta, y ahí está, donde siempre tuvo que estar, en tus manos temblorosas. ¡Chúpate esa, melenudo ignorante!
Un artículo llama la atención con la mezcla imposible de dos nombres, Lester Bangs (¡si está muerto!) y Vortex 8 (¿pero no estaban muertos?)




Y Vortex 8 están de vuelta, ¿alguna vez se marcharon? 'Mirando al abismo' se llama y antes que opinar sobre ello mejor será que sean sus propias letras las que nos cuenten de que va.

                        ASOMANDOME AL ABISMO
                     NOTO LAS PIERNAS TEMBLAR
            UN BONITO CADAVER NO QUERIA DEJAR


Te los encontrabas en un bar cuando ibas de Centramina y Roches y ahora se están haciendo viejos y no lo quieren evitar, que demonios, ¡tú también!, pero en una mañana que apunta a jodida, estas canciones sonaran en tu cabeza mientras miras a un callejón repleto de ratas y basura y tu bolsillo lleno de pelusa te dice que nada tienes y que nada puedes perder.
No te preocupes, la tormenta cesará y el ambiente se volverá a cargar de sudor y de alcohol y que mejor banda sonora que está para que tararees estas canciones que, total, ya pagaras las facturas otro día. 
En un rincón profundo en ti sabrás que Vortex 8 siempre estarán ahí, que serán parte de ti y que ejercerás de cascarrabias con quien no comulgue con tus gustos y con quien lleve gorras del revés, volverás a tu habitación, le darás gasolina al motor y mientras da vueltas una y otra vez en el plato esta rodaja de vinilo tu cabeza hará crack. Su sonido te dolerá, sus letras te herirán, la resaca que dejaran en ti te inundara de recuerdos, para ti serán mejor que un blues cantado por una sirena y más electrizantes que digerir alto voltaje y, aunque ni en sueños Lester Bangs se hubiese molestado en posar sus narices en Vortex 8, ni sabiendo que si no lo hacía se quedaría sin su siguiente trago de Jack, para ti siempre serán un tajo en tu garganta después de escucharlos, si, serán como un tajo certero en tu garganta.
¿Te atreves a abrir esa puerta?


GOING UNDERGROUND 11. Vaciando el Madhouse

 Mientras que el punk rock underground rodaba por toda América como una planta rodadora, la separación de los pocos triunfadores a largo plazo de la escena – Buzzcocks, Jam y Stiff Little Fingers - significó que no quedaba mucho de la loca diversidad que había sido un sello distintivo de la escena punk londinense. Aunque las nuevas bandas como Exploited, Chron Gen, Charged GBH y Discharge se beneficiaban de grandes audiencias cuando giraban por los USA. Estas bandas eran garabateadas en las chupas de cuero de la mitad de los ‘punks a la moda’ que veías por las calles. Algunas de las bandas inglesas eran bastante buenas, pero muchos punks americanos veían su música demasiado parecida a lo que siempre habían estado haciendo. La banda de New York Heart Attack abordaron el tema en English Cunts, en un lamento a la gente para que dejase de mirar a otro lado y reconociesen las nuevas bandas americanas.
El punk es punk a cualquier sitio que vas/ la gente es gente sea quien sea que conozcas
Si sigues viviendo en el pasado/ tu gran orgullo nunca durará
Dices que te encantan esos británicos borrachos/ pero vuestras opiniones se basan en
los éxitos de los Pistols
Heart Attack eran una de las muchas bandas del impresionante inicio de la escena hardcore de New York, y el recopilatorio NYC Thrash en el sello que solo editaba cassettes, ROIR, era uno de los más diversos de las primeras recopilaciones hardcore. Jack Rabid de Even Worse lo recuerda:‘T
odos íbamos en diferentes direcciones. Even Worse era una banda clásica del estilo Weirdos-Damned-Avengers. Los Undead eran del rollo Misfits, Los Nihilistics sonaban como Fall, Crass y Throbbling Gristtle mezclados en uno. Kraut sonaban como los Pistols o Professionals, solo que al doble de velocidad. Cada banda tenía un espacio diferente’
El trió liderado por Jesse Malin, le sumó después una segunda guitarra, Heart Attack era una banda que merecía mucho más reconocimiento del que tuvo. La banda, que estaba llena de rigor político y comentarios sociales, se hacía más fácilmente digerible por su intensamente explosivo aluvión sónioro. Después del 7” God is Death, editaron 2 EP’s muy buenos, Keep Your Distance en su propio sello y Subliminal Seduction en Ratcage Records. Malin era un buen compositor además de un feroz guitarrista y cada vez que vuelvo a escuchar esos EP’s me sorprendo de los buenas que eran las canciones. Pensabas que el volumen limitaba la intensidad, y escuchar hardcore a cierto volumen hacía difícil distinguir una banda como más poderosa que la siguiente. No es así. Había pocas bandas en todo el país que se acercaban al punto de saturación de la intensidad, lo que demostraba que tenías que tener canciones y habilidad tocando para alcanzar ese nivel. Lo increíble de Malin era que él solo tenía 14 años cuando empezó con la banda.
‘Los primeros recuerdos que tengo de Jesse son que todos nos reíamos de él porque era muy militante en sus gustos’, recuerda Jack Rabid. ‘Él solo era un crio, olvidabas eso algunas veces, que solo tenía 14 – por un tiempo no le gustaba nada que no fuese Dead Boys, Circle Jerks… había 5 bandas que Jesse aprobaba. Se llevaba bien con nosotros y con las otras bandas locales, él las apoyaba, pero si le preguntabas que pensaba de este o aquel grupo, el decía ‘no me gustan’. Supongo que, si le ves ahora, tiene uno de los gustos más variados como cualquier tipo rockero de todo el planeta. Ha sido maravilloso verle crecer’.
‘Aunque él no estaba falto de humor. Mi recuerdo más vivo de Jesse es una vez que Heart Attack y Even Worse tocaron juntos en el Peppermint Loungue. Fue el primer domingo de enero de 1982, por aquel entonces hacían sesiones punk rock en el Pippermint Loungue los domingos. Lo del Pippermint era un buen asunto para nosotros, toda la historia – El Pippermint Twist, los Beatles merodeando por ahí – y también era un club grande. Cuando venía esa pausa en la canción de Heart Attack Family Life, él decía algo distinto en cada concierto, y siempre era sobre lo loca que es la vida familiar. Todos éramos cercanos a los Misfits, así que se acercaba al micro y decía, ‘¿Mami, puedo salir y… tocar en el Pippermint Loungue esta noche?’ y recuerdo pensar, ‘Si, joder, cuando yo tenía 14 años no salía a tocar a ningún Pippermint Loungue’. No puedo imaginarme preguntando a esa edad a mi madre si podía ir a tocar al centro de Manhattan a las 2 de la mañana. Eso habría quedado bien’
Como era de prever, mucha gente no estaba familiarizada con la jerga británica para entender que la canción English Cunts tenía algo que ver con las mujeres, y Heart Attack tuvo que explicar lo muy avergonzadas que estaban de la canción.
‘No estaba dirigida contra las mujeres ni nada parecido, pero mucha gente lo tomó en ese sentido – en realidad somos una banda pro-feminismo’, le contaba Malin a Flipside en 1984. ‘English Cunts esta básicamente escrita en como la gente tiene prejuicios, como decir que les gusta una banda solo porque son de Inglaterra. En la jerga Cockney todo el mundo utiliza la palabra ‘cunt’, los tíos se llaman entre ellos ‘cunt’, por eso utilizamos esa palabra. Realmente nunca quisimos tocarla, pero habíamos estado tocando con GBH. Habíamos estado viendo gente aparecer y abarrotar el local y no veo nada válido en GBH en absoluto, solo descerebrados rockeros pretendiendo ser punk. Gente que vestía y se llamaban a ellos mismos punks van a esto sin sentido anti femenino…’
La mayoría de las bandas que tocaban tempos blitzkrieg antes de 1982 se decía que tenían ‘sonido DC’, en referencia al thrash directo a la cabeza de la escena de Whasington. Incluso Jello Biafra hizo un asentimiento con la cabeza a la escena de DC cuando título In God We Trust, Inc. al disco ‘DC Thrash’ de los Dead Kennedys. Quizás esto dio a las bandas de DC demasiado crédito, ya que ellos solo estaban emulando a los Bad Brains, y muchos grupos como Hüsker Dü tocaban frenéticamente al mismo tiempo sin haber escuchado nada de sus iguales Thrash. Antes de que nadie empezase a hacerlo, Bob Mould encontraba interesante que grupos de diferentes sitios de la nación, operasen en una especie de vacío, …. La misma idea. Heart Attack desarrollaron también de forma independiente ese hiper ataque, pero con mayor respaldo musical que la mayoría.

‘Es simplemente extraordinario algunas de las cosas que hizo a esa edad, dijo Jack Rabid de Jesse Malin. ‘tenía ferocidad. No solo por tener 14 años, sino que veías sus ojos que los ponía como si fuese Strummer, doblaban su tamaño cuando estaba de pie en el escenario. No creo que Javier tuviese idea de cómo tocar la batería, aunque es uno de mis baterías favoritos de siempre.
Intenté hacer mi imitación de Javier en los ensayos y no pude hacerlo, y eso teniendo una vaga idea de cómo tocar. Esa ferocidad, esa intensidad total era única, porque no sonaban como las otras bandas de hardcore que llegaron después.
‘Escuchas la batería de una canción como English Cunts y te preguntas, ‘¿de dónde viene eso?’ La gente olvida que, con la excepción de Bad Brains, no se habían escuchado esos tempos antes. Creo que Heart Attack conocían a Bad Brains, quizás les influyeron algo. Acabábamos de descubrir las bandas de DC. Me encontré esos tipos de nuevo cuando bajamos al 9:30 club a ver a Bad Brains en enero del 81. Conocí a Ian y Henry en el concierto de Sham 69 en diciembre del 79. Era algo como Colon descubriendo América. ¿Quiénes son esos punks de DC? No sabía que hubiese ninguno’.
Incluso después de que se estableciese el hardcore americano, la noción persistente en la gente de que Inglaterra había inventado el punk rock impregnó los márgenes de la cultura punk. La gente que no perdía tiempo en aprender sobre las escenas locales – una especie de guerreros punk de fin de semana – acudía en masa cada vez que una banda inglesa venía a la ciudad. Esas bandas tenían promoción profesional, mejor distribución de discos y estaban acostumbradas a tocar sus conciertos en Inglaterra delante de miles de personas. El desprecio que tenían por sus compañeros americanos era una constante. En la poderosa Gran manzana, la nueva generación de bandas punk, tenía cada vez más difícil hacerse notar. Entre el desprecio expresado por la vieja generación de los 70 punk neoyorquina y el bando pro-Inglaterra, era un camino difícil.
‘Todo lo que teníamos de la gente de la escena arraigada aquí’, se lamenta Jack Rabid, ‘era que ‘la mierda punk rock fue hace 5 años’. Nos trataban como a la gente del revival rockabilly. De hecho, la gente del revival rockabilly tenía más respeto. Richard Hell solo me fruncía el ceño cada vez que me cruzaba con él cuando vivía en mí mismo edificio. Yo era un chaval de 18 años con una chupa pintada de spray y él me ponía caras. Si me hubiese dado 5 segundos, se daría cuenta que tenía su disco, que me encantaban los Voidoids, pero él me cortaba antes de que le dijese, ‘tú eres Richard Hell, me encanta tu disco, porque no haces otro’Steve Wishnia de False Prophets sostiene que ellos no fueron realmente despreciados por la generación más mayor, ya que la escena de los 70 se había quemado tanto que no quedaba nadie para despreciarlos.
‘No tengo la sensación de que la primera generación punk de NYC ignorase y apartase a la segunda’, dice Wishnia, ‘aunque la verdad es que no daban el apoyo a las nuevas bandas que Dead Kennedys dieron más tarde. La primera generación ya había desaparecido en 1981-82, con Patty Smith Group, Television y los Dead Boys separados, Richard Hell enganchado a la heroína y sin muchos conciertos – abrimos para él un par de veces en 1982 – y los Heartbreakers con los ocasionales conciertos ‘rentables’. Solo sobrevivían los Ramones y ellos estaban en un punto relativamente bajo de su carrera con sus propios demonios con los que tratar’.
Kraut eran uno de los puentes, estilísticamente hablando, entre las dos generaciones, pero debían más su sonido a los Sex Pistols y al punk inglés. Eran una de esas bandas hardcore, como Toxic Reasons, más enraizados en los acordes potentes del punk de los 70 que en el thrash moderno, pero al igual que DOA y Toxic Reasons, tocaban al doble de velocidad de sus inspiradores. Llevaban el punk de vieja escuela en su etiqueta, con canciones como Onward (‘hay que ir hacia atrás, para ir hacia adelante’) que desafiaban la noción de algunas bandas de que estaban creando algo enteramente nuevo. Steve Jones de los Sex Pistols incluso tocó la guitarra en Onward, Sellout and Kill For Cash en su primer disco, y vivió con el bajista Don Cowan y el guitarrista Doug Holland un tiempo.
Aparte de hacer las tres canciones con ellos, Jones aparecía ocasionalmente con Kraut en los conciertos para interpretar las canciones. Él se había quedado impresionado con Holland y su forma de tocar la guitarra cuando Kraut y TSOL abrieron para Professionals en el Channel de Boston, y fue una de las raras situaciones en que el respeto mutuo se desarrolló entre el punk ingles de los 70 y el hardcore americano. El entusiasmo que tuvo Damned por Bad Brains fue uno de los otros casos. Kraut habían sido suficientemente afortunados por tocar con sus héroes desde el primer concierto que hicieron, abriendo para los Clash en el Bond’s de New York el 11 de junio de 1981. Los Clash fueron contratados para una semana de conciertos en una sala con todo vendido, lo cual forzó a los Clash a añadir más shows y pelear por encontrar más grupos teloneros. Fueron el mismo paquete de conciertos que hizo que el nombre de Bad Brains se filtrara en mi ciudad natal de Florida en 1981 como si hubiera hecho volar a The Clash del escenario.
En la escena de New York, Jack Rabid decía que había un poco de resentimiento hacía Kraut y su mayor ambición, pero el siempre opinó bien de la banda.
‘De vez en cuando algunos chasqueaban la lengua sobre Kraut o cualquier otro’, decía Rabid, ‘pero no tenía ninguna base ya que ellos trataban con nosotros y nosotros con ellos. Personalmente, a mí me gustaban Kraut, y fui compañero de cuarto de uno de ellos, así que no me importaba mucho que ellos tuvieran algo de arrogancia. Doug Holland vivió conmigo entre los años 82-84, así que terminé siendo un poco el que hacía apología de Kraut en la escena. Solo un par de ellos eran arrogantes, los otros dos eran bastante amigables’
A pesar del éxito de su primer álbum, Kraut nunca parecieron ganar fuerza en el país y su segundo y último disco, Whetting the Scythe, no recibió mucha atención. Lo editaron en noviembre del 84, y una gran parte de su tibia recepción por parte de la escena punk fue la maldición de su sello, Enigma. Una vez que Enigma optó por un aspecto de metálico y más sofisticado del diseño del álbum y de la banda, incluso a los que estaban familiarizados con la banda se les perdona que rechazasen el álbum sólo por su apariencia. Aunque el disco era un poco irregular comparado con el primero, canciones como NGRI, Juvenile Justice, Flossing With an E String y el himno Backstabbing era tan bueno como cualquiera que se publicó en esa época.
Aunque el frontman Davy Gunner tenía buenas pintas y una voz impresionante, la banda era muy parecida a Toxic Reasons en el sentido de que eran una unidad en la que nadie destacaba como icono punk. Ellos solo tocaban música genial. En un mundo punk cada vez más poblado de gente que les dio por definir a sus héroes punk en base al Straight Edge, la política, el carisma o cualquier cosa, muchas veces se olvidaba la música. La lección ‘ignora a los héroes’ que Jack Grisham de TSOL había intentado enseñar cambiando su nombre en cada disco, que las personalidades no importaban, se perdió más y más.
Ya que el CBGB’s solo arrojó un hueso al público hardcore con las matinees de los fines de semana cuando no tenían nada en marcha, el A7 permanecía como el principal garito de la escena local. Mike D de los Beastie Boys lo recuerda como ‘tocar en el comedor de tu tía – eso si el comedor de tu tía tenía pis de gato por todas partes y fuese un fumadero de crack a tiempo parcial’. Jack Rabid tiene buenos recuerdos del A7 ya que era un lugar donde cualquiera se podía mezclar.
‘Una noche bajé al A7’, recuerda Rabid, ‘cuando tuvimos a Stupid Youth Thuesday por 2 pavos – nuestra pequeña broma de Youth Brigade y el rollo BYO – los Circle Jerks se estaban quedando conmigo y les dije que podrían tocar. A Keith y Greg les pareció bien, pero Chuck Biscuits no iba a tocar la batería del local. Era un poco snob con eso. Así que bajamos allí y Robo, que estaba en ese momento con Misfits y había sido batería de Black Flag, andaba por ahí y ya que se sabía Wasted decidieron tocar con él a la batería. Él tocaba la versión Wasted de Black Flag mientras que el resto de la banda tocaba la versión de Circle Jerks, y fue horrible’
‘Le dije a Keith ‘me se todas vuestras canciones, dejarme tocar’, pero ellos lo hicieron con Robo. Y todas las canciones fueron terribles, y después de cada canción intentaba convencer a Keith que me sabía sus canciones. Después de 5 canciones, cuando era evidente que era un desastre, Keith dijo, ‘vamos a probar una canción con Jack a la batería’ Y estuvo bien. Entonces él dijo, ‘vamos a probar otra canción con Jack a la batería’ Y también fue bien. Los llevó 5 canciones antes de que pararan para decir que iban a probar otra canción con Jack. Le pregunté a Chuck después de como lo hice, y se encogió de hombros y dijo, ‘lo hiciste bien’ Ese era el mayor elogio que podías sacarle a Chuck. Yo estaba en plan, 'cabrón, ¿eso es todo lo que puedes decir? Aquí estaba mi oportunidad de ocupar el sitio de mi héroe, el batería de DOA, y todo lo que obtuve fue ‘has estado bien’
False Prophets pusieron dos de las mejores canciones en NYC Thrash, aunque igual que la mayoría de las bandas no podía permitirse el lujo de editar más de dos 7” en sus primeros años. Eran liderados por cantante teatral, Stephen Ielpi, que llevaba material diverso como calaveras de mono y se embalaba a si mismo con alambre en el escenario.
‘Stephen estaba en cualquier lugar blandiendo su calavera de mono’, recuerda Jack Rabid. ‘La primera vez que me encontré con él le dije, ‘¿Qué eres?, ¿Screaming Jay Hawkins?’ y el respondió, ‘¡me encanta Screaming Jay Hawkins!’ Esa fue mi presentación con él. Le dije que sí, que ya me había dado cuenta.
Vi a False Prophets en Longmarch en Philly en el 84, un show que el bajista Steve Wishnia recuerda bastante bien:
‘Ese concierto de Philly fue bueno a pesar de los mejores esfuerzos de los promotores. Ellos - un proveedor de comida ortodoxa para bodas y traficante de cocaína y su sórdido compañero – nos dijeron que no podían pagarnos pero que nos conseguirían una furgoneta para el viaje de regreso. Nos dimos cuenta de que eso equivalían a 100$, así que lo tomamos. La furgoneta apareció por la Avda. B repleta de soda del puesto de venta. Yo grité ’hijos de puta’ tan alto que la gente asomaba sus cabezas desde las ventanas del quinto piso. Después metimos el material detrás del espacio para 6 personas. Yo tenía una migraña insoportable y pase todo el viaje con una bufanda envuelta en mi cabeza, inhalando la sinfonía de olores nauseabundos y tóxicos de Jersey Turnpike. Entonces llegamos allí y el tipo del sonido no quiso encender los monitores, ya que éramos el grupo que abría. Afortunadamente, habíamos estado mucho en el estudio, grabando el primer álbum, así que estuvimos realmente sólidos y nos las arreglamos sin escuchar a Stephan’
Hable a Stephan en el backstage un buen rato sobre la escena de New York. Recordaba los días del club A7 con cariño, pero decía que los skinheads destrozaron el club y el punk en New York. Los False Prophets se divirtieron un poco con el slam dancing y el stage diving al principio, debido a lo caricaturesco. Su segundo 7”, Good Clean Fun, fue un golpe contra la violencia ritual en la que se había convertido el slam dancing.
‘El rollo sobre la violencia’, le contaba el guitarrista Peter Campbell a Maximum R&R en 1982, ‘es que todo el mundo sabe que New York es una plaza violenta, y viviendo en Avda. B lo vimos y lo experimentamos. Cuando me peleaba con algún clon drogata de Sid y luego iba a un club y todos esos chavales estaban bailando, parecía como un juego de niños’
Ellos no atendían a los gustos del público más joven en lo que respecta al slam, y se esforzaron en ello en los siguientes años, aunque tuvieron el apoyo de Jello Biafra y editaron 2 discos con Alternative Tentacles después de unos diversos cambios de formación. Steve Wishnia ya lo vio en las pintadas de las paredes de la escena de NYC en cuanto a la limitación del impacto del punk.
‘Yo no quería ver a la gente escuchando solo hardcore’, decía Wishnia en 1982 a Damaged Gods, un fanzine neoyorquino llevado por el batería de Misguided Lyle Hysen. ‘Luego todo se volvería una formula – ‘nueva fórmula hardcore machaca cráneos: 10% más rápido que los Bad Brains, 20% más desagradable que Black Flag’ – y la gente se volvió corta de miras. Había gente que abría sus mentes y escuchaban todo tipo de músicas ya que todas las bandas que estaban tocando alrededor de la escena estaban tratando con diferentes aspectos de la misma cosa. Los Bad Brains eran ruidosos, rápidos, sincopados y tocaban reggae. Los Undead eran una banda pop – la banda favorita de Nat eran los Undertones, mientras que a Bobby Steele le gustaban los Beatles. Escribimos muchas canciones que sonaban diferentes entre sí, y a mucha gente le gustaba eso ya que cuando ves a un grupo no quieres ver una banda que solo toca a 198 golpes por minuto, y saltar durante 35 minutos y no puedes distinguir una canción de otra’
‘Escuchaba cualquier cosa con letras, mensajes sutiles’, decía Ielpi en Maximum R&R. ‘Para mí es poético porque es realista, alguien cortando entre la mierda. Biafra tenía algo que decir. Jesse Malin tenía algo que decir. Ian Curtis tenía cosas geniales que decir’
‘Nadie escucha los mensajes’ decía Ielpi en Damaged Gods. ‘ya que ese terreno ha sido pisado una y otra vez y el público está tan informado como una chica embarazada de 13 años. Alguien podía saber que esto iba a pasar hace tiempo, y ahora la violencia se convirtió en algo más importante que lo que cualquiera tuviera que decir, mucho más importante. Es duro ser punk, pasear por ahí vestido como un motero con 106 libras de peso. Tienes que responder de esa imagen’.
Junto a Jism (alias Joe Ism y alias Joseph Ismach) de la banda asentada en Queens Ism, Bob Sallese de Sin Records sacó un recopilatorio llamado Big Apple: Rotten to the Core en 1983 que obtuvo mucho más a nivel nacional que NY Tharsh simplemente porque estaba disponible en vinilo en vez de solamente en cK7. Las bandas, con la excepción de Mob, tendían a ser bandas de hardcore más oscuro desde los barrios que tenían problemas en poder llegar a la escena del Lower East Side. Yo pinchaba canciones del disco bastante en mi programa de radio y siempre me quedé prendado de la melodía de Ism Ellos estaban muy alejados de los compositores más pegadizos de las bandas de NYC, con canciones como John Hinckley Jr. (What Has Jodie Done to You), el tributo a su club favorito, el A7, y su revestida portada de I Think I Love You de Partridge Family. Su disco de 1983, A Diet For The Worns se convirtió también en otro de mis discos básicos, con clásicos como White Castle at 3 AM.
Mientras que Ism tuvieron más atención al principio por toda la nación que otras bandas de Hardcore NYC, al final se encontraron con los mismos obstáculos. Sin Records estaba siendo estafado por su planta de prensado de discos, un acuerdo con Faulty que no se llevó a cabo debido a su bancarrota, y un desencuentro entre Jism y Sallese impidió que la banda aprovechara toda la difusión que estaba recibiendo. Mientras que ellos tenían esperanzas de llevar el hardcore al mainstream, esa no era la dirección que iba a tomar en New York o en cualquier otro lugar en esa época. Como las bandas de DC, muchas de las nuevas bandas querían erradicar cualquier mancha del sonido del punk más viejo aumentando la intensidad. Reagan Youth, Cause for Alarm, Murphy’s Law, Borscht, Agnostic Front, los Misguided, Antidote y Virus eran todas bandas nuevas ganando seguidores y empezaron a ocupar su lugar junto a Heart Attack, Kraut y Adrenalin OD como base de la escena hardcore que gobernaría durante los siguientes años.

SOCIAL DISTORTION. En algún lugar entre el cielo y el infierno

 THE BIG TAKEOVER # 28. ENTREVISTA REALIZADA POR JACK RABID.

No podemos saber si venían del infierno de las adicciones y ser inquilino de instituciones penitenciarias e iban al cielo de recuperar el control de su vida como la de cualquier ciudadano aburrido y sin ningún peligro o si venían de los infiernos de girar y tocar en infectos agujeros y editar discos en sellos menores y se aproximaban al valhalla de una major con mejores presupuestos, limos y grandes espacios donde tocar y estar a buen recaudo de la cercanía de los fans. ¿El Hardcore era el infierno y el R&R el cielo? ¿Acaso eran Hardcore? Todavía no era ni un boceto el disco Somewhere Between Heaven & Hell y con su reciente firma con Epic hablan de cielos e infiernos con Mike Ness que fue entrevistado en una sala de conferencias de Epic el 11/03/90. 
Parecía extraño estar hablando con un viejo conocido con el que siempre hablaba en clubs en esta fría, impecable e impersonal sala de conferencias, como Mickey Rourke en Barfly, ‘la jaula dorada’ pero esa es la historia, inusual; después de años de esperar que una banda firmara con una major sin cambiar su sonido, y en menor medida, su aspecto (los Dickies entre los años 78-80 fueron los únicos, pero son un caso especial), aquí hay una, y los ha llevado una década hacerlo. El nuevo disco de Social Distortion auto titulado, el 3º y primero para Epic, podría fácilmente atraer a los fans de su primer disco del 83, Mommy’s Little Monster. Con las majors fichando el talento independiente radical que una vez despreciaron, están cambiando los tiempos, y el fichaje de Social Distortion no es el evento impactante que habría sido hace 3 años. En realidad, esto no es sorprendente, y debería no serlo que también firmen otros, y quizás es la indicación más clara de lo diferente de la actitud de las majors hacía la primera música independiente en estos días. Puede ser bueno o malo: para algunos, ayudara a romper los límites estrechos de una escena independiente rígida, desconfiada y de poca monta. A otros, pequeños peces que se debaten en un gigantesco y descuidado estanque les ayudara.
Al menos, en el caso de Social Distortion, no son el último en llegar. Con 2 álbumes indie, Mommy y Prison Bound del 88, 3 singles y numerosas giras por USA, han sobrevivido 11 años viendo a sus contemporáneos rendir sus instrumentos. En particular, el cambio de la escena punk hacia el hardcore y el thrash no les hizo daño, por su estatus de veteranos y porque sus discos más recientes tienen un gran atractivo más allá de esa escena, con elementos country y blues sumados a su correcto 4/4. Son una banda de R&R, pura y simple, al igual que unos modernos primeros Rolling Stones, a los que han versionado en 3 ocasiones.
La formación actual, la 3ª, lleva junta unos 6 años, desde que la mitad de Mommy’s abandonó. Ness parece más feliz que nunca con la renovada energía del reformado y una combinación de precaución (su pasado es todavía parte de él) y más humildad de la que la estrella punk que una vez fue. Parece más cortes, más interesado y más relajado. En el escenario todavía mantiene el carisma, la apariencia y la intención que hicieron de él uno de los mejores y de los más populares.

Jack Rabid: Una buena pregunta con la que empezar es, aparte de la fecha en la que hiciste en los Montana Studios un repertorio para tu nuevo sello, Epic, ¿Por qué no tocaste en New York en tu última gira?

MIKE: Sabes, no pudimos contratar nada, no recuerdo exactamente cual fue la razón. Hubo algo, en el pequeño espacio de tiempo que estuvimos allí no había nada disponible. Quizás montamos la gira tarde. Haremos otra en abril, y esta vez tocaremos en New York. Me gustaría tocar en el Ritz otra vez (en vez de ahí, tocaron en el Marquee)
JR: Quizás esta vez, no en un cartel hardcore.
MIKE: ¡Correcto! Intentamos alejarnos de eso. ¿Sabes?, eso me saca a la luz todo un problema. ¡Qué coño!, ¿Qué es el hardcore? Lo que quiero decir es que es algo con lo que nos han etiquetado. Me gustaría encontrarme al tipo que pensaba eso. ¿Qué significa? ¿Qué cantas rápido? ¿Quiere decir que tienes la cabeza pelada? ¿Quiere decir que eres extremo? Pienso en la pornografía cuando pienso en el hardcore. Ese es mi problema, pero estamos haciendo lo mismo, empezamos antes de eso, existíamos antes de la explosión hardcore. Existíamos en los primeros días. Cuando te gustaba el punk estaban los PISTOLS, los CLASH y GENERATION X y X-RAY SPEX, ¿es eso hardcore? ¿Qué coño es el hardcore?
JR: O los WEIRDOS y las otras bandas americanas.
MIKE: ¡Si! Los GERMS y toda esa mierda, ¿Qué es hardcore? No lo entiendo, y otra cosa, que era el punk hace 10 años, OK, veo bandas ahora que se llaman a si mismas punk, y si eso es punk, no tengo ni una mierda que ver con eso tío. Así que, sabes, ha cambiado. Se esta ramificando en un montón de áreas diferentes, y supongo que el hardcore es una de ellas, una de las avenidas, pero no creo que sea una categoría en la que meternos.
JR: ¿Crees que la gente te agrupa en ese grupo por haber visto Another State of Mind en TV y como eras hace 8 años? Ellos ven al joven y más crudo Mike Ness y compañía, la vieja formación.
MIKE: Si. Quizás el hardcore es más una actitud que un estilo musical, no lo se. Pero solo estamos haciendo lo mismo que siempre hemos hecho. Has escuchado el nuevo disco, ¿sí? ¿Te gusta?
JR: Claro. Lo pincho mucho. ¿Qué tiene que no te guste? (risas)
MIKE: Estoy bastante feliz con él. Realmente lo estoy. Estoy sorprendido.
JR: ¿Tienes alguna extraña inquietud por estar en un sello grande por primera vez?
MIKE: Tengo un montón de temores. Dejar un estudio y un productor con los que hemos estado trabajando cómodos durante años, entrar en un estudio grande, y todo es lujoso y agradable con un productor que no conozco. Si, había mucha preocupación, pero era todo preocuparse por nada, ya que el productor era bastante majo y nos dejaba hacer nuestro rollo. Lo hicimos simple, un temor mío era sobre producirlo, salir con algo que fuese demasiado trabajado. Creo que muchas bandas hacen eso. Una de las ventajas de estar en un sello grande es que las cosas se hacen de la forma que se supone que deben hacerse. Prison Bound llevó 1 año grabarlo. Incluso pasaron 5 años antes de llevarlo al estudio a causa de problemas personales, pero lo hicimos todo nosotros mismos, lo pagamos nosotros, y nos llevó un puto año grabarlo. Ni siquiera creo que THE ROLLING STONES se tomen tanto tiempo con un álbum. Es bonito entrar en un estudio y hacer las cosas bien, tener plazos y cumplirlos, tener el diseño antes de que el disco esté, es bonito tener a gente contigo trabajando en algo. Ese es un nuevo concepto para nosotros, solía ser solo nosotros y el manager.
JR: ¿Qué causó el retraso de PRISON BOUND?
MIKE: En parte el dinero. Teníamos que hacer un show en LA y sacar dinero para pagar al tipo del estudio para sacarlo. Eso fue cuando yo estaba trabajando a jornada completa, y muchas veces estaba demasiado cansado para ir a grabar un puto disco. O peleas con la novia, o cualquier cosa, había todo tipo de historias. Fue bonito tener ese trozo de vinilo en la calle, ya que habían pasado 5 años, creo que rompió el hielo para nosotros. No es mi disco favorito, pero creo que sirvió a su propósito. No vendió tanto como nuestro primer álbum, y tengo la sensación de que este nuevo disco va a vender más que cualquier otro, pero creo que nos pondrá de vuelta en el circuito, permitirá a la gente saber que todavía estamos ahí. Nos abrirá un montón de puertas.
JR: Parece como si pusiese a descansar el fantasma de la formación más famosa de Mommy’s y 1945.
MIKE: Claro. Lo cual no es que… creo que la relación que tenemos con los miembros de la banda ahora es mejor que la que teníamos antes. Puedes tener buenos músicos y sonar realmente bien, pero si no sois amigos… sería un fastidio compartir habitación con alguien con quien ni siquiera follo… sabes, somos buenos amigos y esto ayuda.
JR: Recuerdo ese show de año nuevo en Cathay Du Grande de Hollywood el año 84, el último que hiciste con la vieja formación.
MIKE: Si, ese fue el último. ¿Estabas allí?
JR: Si, estaba allí. Fue un repertorio que se paró, la gente empezó a destrozar vuestro equipo, estaban muy borrachos, la batería fue tirada, todo se fue de madre.
MIKE: Claro, no recuerdo lo que realmente sucedió, estaba bastante loco.
JR: Ese fue el mejor bolo que vi con esa formación, me puse como loco cuando el show se paró a mitad, y después lo siguiente que escuche fue que BRENT y DERRICK estaban fuera de la banda.
MIKE: ¿De verdad? ¡Guay! ¡Al final salimos con una explosión! Creo que fue algo donde yo amenace con golpear a DERRICK y BRENT por alguna razón, hicieron algo que me cabreo y yo iba a sacudirles, y ellos solo se fueron. Lo cual era incomprensible. Yo era un gilipollas esa época. Pero todo salió bien.
JR: Pude verlo venir desde ese concierto gratuito en el parking detrás de esa tienda de discos en Anheim.
MIKE: Ah si, Pier Records. Ese fue un show divertido. Estaban pasando cosas. Pero la formación actual me da espacio para escribir, y creen en mi criterio, y al mismo tiempo lanzan sus sugerencias.
JR: ¿Habías visto a THE LEWD antes de pedir a Chris que tocase la batería contigo?
MIKE: Creo que sí, creo que tocamos con ellos en Frisco, no lo recuerdo. Yo estaba preocupado.
JR: A veces me pregunto que le paso a The Lewd, a J. Sats Bered y Olga.
MIKE: Lo sé, lo sé. Me pregunto que pasó con un montón de gente. Justo estaba hablando con alguien sobre ello. Es bastante seguro decir que somos una de las bandas de LA que quedan de esa zona. Escuche que Bad Religión todavía están por ahí, he oído que su nuevo disco es realmente bueno. Es bueno oír eso, pero oigo que Circle Jerks se acaban de separar y no se que dirección estaban tomando, Keith tiene esas malditas rastas.
JR: AGENT ORANGE parecen también haber desaparecido finalmente, espero que no.
MIKE: Si, es extraño. Yo estoy agradecido… es como si 5 años de niebla hubiesen sucedido. Grabamos un álbum, en el 85 cuando yo estaba metido en las drogas y esas cosas, si lo hubiésemos editado, nos habría traído de vuelta.
JR: ¿Las mismas canciones que acabaron en Prison Bound?
MIKE: Si, un montón de descartes sobre canciones de yonkis, ¡pero no podías ni pensarlo! (risas)
JR: Refugios de L.A.M.F. (de los Hertbreakers de Thunders) (ambos se ríen)
MIKE: Si, exacto. El mismo tipo de cosas. Eso mola del nuevo álbum que todas son canciones nuevas, de los últimos 2 años, es fresco, ¿sabes lo que quiero decir? Es fresco y con mucha energía. Estoy más feliz con esto que con otras cosas que he hecho.
JR: ¿Podías haber predicho incluso hace 3 años que estarías en un sello grande? Parece que es un momento en el que de repente las majors tienen un interés en la música ‘alternativa’ cuando antes no había interés; nunca pensé que vería el día en que Social Distortion sería fichado sin que cambiaseis vuestro sonido radicalmente, algo que no habéis hecho.
MIKE: Creo que siempre ha habido interés. OK, es como si, por un instante no molase tener éxito. Era más underground. No molaba ir en una limusina.
JR: Porque, ¿no estáis saliendo en limusinas ahora?
MIKE: No, no. Me cogieron en una en el aeropuerto, pero es la única vez que he estado en una. (Ambos se ríen)
JR: ¡Debes sentirte bastante fuera de lugar!
MIKE: Oh si, te sientes como una prostituta en una iglesia.
JR: Lei esa misma frase en un libro de JIM BOUTON una vez, Ball Four creo.
MIKE: Pero incluso entonces, sentía que cualquiera que dice que no quería tener éxito en lo que estaban haciendo era como decir que no querías tener una vida. Había muchos tipos viejos del blues que ni tocaban por dinero, y esos eran los verdaderos tipos hardcore. Pero yo siempre quise ser grande, y no quiero decir hacerme rico. Mis términos de éxito son diferentes que en otros. Alguna definición de éxito en algunas personas es ser rico y famoso y todo eso, el mío es solo estar cómodo. Si nunca tengo nada mejor que eso, entonces está bien.
JR: Al menos dejaste tu antiguo trabajo y te dedicas a esto a tiempo completo.
MIKE: Si, estoy haciendo algo que disfruto, eso es el éxito. Y no hemos tenido que adquirir ningún compromiso, ¡eso es jodidamente genial! Si alguien dice que Social Distortion se ha vendido, entonces le diremos, ‘¿cuéntame cómo?’ Ok, porque todavía estamos haciendo lo mismo que hacíamos hace 10 años. Quizás el ritmo de la batería no sea tan rápido (él toca sobre sus rodillas), solemos llamarlo ‘el ritmo perdido’ en la gira con YOUTH BRIGADE, porque ahí es cuando toda la escena hardcore estaba explotando, el ritmo ‘1-2 que te jodan’
JR: El tiempo y el ritmo de ‘Mass Hysteria’ (en el recopilatorio editado por B.Y.O. Somebody Got Their Head Kicked)
MIKE: Si, teníamos un par de canciones así, como ‘Anti-Fashion’ Pero en algunas bandas, ¡así es todo su repertorio!
JR: Yo lo llamo la enfermedad G.B.H.
MIKE: Si, ¡vamos!, tengo un puto dolor de cabeza. No sé, sabes tan bien como yo que Social Distortion nunca se ha preocupado de lo que era popular. Salimos a finales de los 70 con Germs y Fear, con Gen X y los Clash y todo eso, pero entonces el rollo hardcore empezó y estábamos haciendo lo que siempre hacíamos, y ahora es como si el pelo largo y el glam y el speed metal molase, y no me preocupa nada de eso. Solo hago lo que me gusta, y afortunadamente a alguien le gustara.
JR: El único cambio estilístico que he percibido es que le habéis añadido más blues y country a tu viejo sonido duro de guitarra.
MIKE: Correcto, y he dejado de teñirme el pelo. Estoy agradecido de que podamos seguir consistentes, no se como atribuirlo. Quizás mi estrechez de miras.
JR: Si, la reseña que vi de Prison Bound en Options parecía pensar que estabas haciendo un refrito de tu primer LP, lo cual no creo que sea cierto.
MIKE: Si, yo no estaría de acuerdo, te gusta pensar que, si te mantienes constante durante 10 años, vas a aprender a tocar tu instrumento. ‘Drug Train’ o ‘Prison Bound’ nunca habrían aparecido en el primer disco.
JR: ¿Has escuchado mucho a JOHNNY CASH y a gente del country en los últimos años?
MIKE: Siempre lo hago. Crecí con ese material, crecí con el country ya que mi padre tocaba la guitarra. Por toda la casa.
JR: ¡Déjame probar papa!
MIKE: Exactamente. Así que es raro, me meto en la escena Glitter. He estado acostumbrado a tomar mierda por música que me gustaba toda mi vida. No escuchaba la música que escuchaban los chicos de la manzana. Mis tíos eran jóvenes, mi tío era batería en una banda de garage, y siempre me volvía a ese material, él arreglaba Harleys y esas cosas, era guay, fue un modelo para mí. Era como MICKEY ROURKE y yo era un chaval. Así que él me condujo a los álbumes. Recuerdo cuando el single ‘Day Tripper’ de los BEATLES salió. Yo solo estaba tan arriba (gestos) y escuchaba esa guitarra (canta), y pensaba, ‘joder tío, ¡esto es fuerte!’ (yo pensaba lo mismo de ‘Think For Yourself’ a la misma edad, N.d.E) Y luego me gustaba BOWIE cuando a los otros chicos les gustaba ELTON JOHN (curiosamente, Elton siempre fue un gran fan del punk rock a finales de los 70) y recuerdo cuando KISS salió, eran una banda genial y tuvieron una gran influencia sobre mí. Los ritmos melódicos y luego estaba el primer punk, el cual ha sido la mayor influencia sobre nosotros.
JR: Estabas merodeando por el Fleetwood y el Blackies y sitios así.
MIKE: Oh si, absolutamente. El segundo Masque. El Starwood, el Whiskey, eran underground antes.
JR: ¿Viste a los GEARS y bandas similares?
MIKE: Si claro, los Gears eran un buen ejemplo, creo que eran una banda de raíces. Y luego después con influencias blues y rockabilly. Creo que tienen ese tipo de influencias juntadas en esa mezcla, y creo que es lo que hace difícil de catalogar a Social Distortion.
JR: ¡De todo menos hardcore! (risas)… No he escuchado demasiadas bandas country hardcore.
MIKE: No, y si perdemos algo de nuestro público por decir esto, entonces joder, es debido a nuestra propia estrechez de miras.
JR: A la mayoría de la gente que le gusta el punk le gustara vuestro nuevo LP, quizás a los hardcore y a los thrash no. La verdad es que ‘So Far Away’ le gustaría a cualquiera de los viejos fans punk.
MIKE: Correcto. Si no le gusta esa canción, no les gusta ‘Mommy’s Little Monster’ Así que, eso mola.
JR: Le lleva al público 15 años darse cuenta de que los Sex Pistols y los Clash eran solo bandas de R&R, incluso buenas, en un tiempo en que eso era una rareza.
MIKE: ¡Totalmente! STEVE JONES, todo lo que ha hecho se basa en una escala de blues. Si, ¡exacto! ¡Esa es la diferencia! ¡El primer material punk era musical! Pienso que BLONDIE eran geniales, y los VIBRATORS, y los putos HEARTBREAKERS. ¿Qué demonios es eso?
JR: No tendrás ningún argumento en contra mío. Live at the Max’s es la esencia del R&R. La mayoría de las bandas hardcore no creo que tengan inteligencia rockera en sus composiciones.
MIKE: Exactamente, sí. Para mí, eso era el punk, así que ya sabes, cuando creces con eso, y oyes… no quiero decir nombres, pero cuando escuchas a un idiota calvo gritar (ese seria un nombre genial para una banda hardcore, Idiotas Calvos Chillones) gritando a un micrófono, es difícil identificarse con eso.
JR: Debes haber visto un montón de esos.
MIKE: Oh si, he visto más de los que me interesen (risas)
JR: Recuerdo verte en alguna pelea chunga con algunas de esas personas en New york en vuestra primera gira del 82, una pandilla de esa gente te estaba golpeando…
MIKE: Si, eso fue por mi culpa. Fue debido a mi alcoholismo y esas mierdas. Me llevo a un montón de problemas, toque fondo, desde el día uno de mi excesivo abuso de las drogas y el alcohol solo hizo meterme en problemas. No sé cómo fue posible tener una banda y construir algo, supongo que eso fue en los primeros estadios de ello, progresó, mi enfermedad.
JR: La calidad de la música tiene algo que ver con ello. Recuerdo la única vez que te visité en L.A. y estabas en una gran pelea a gritos con tu hermana por tu hermano.
MIKE: ¿De verdad? Seguramente estaba tratando de sacarle pasta. Todo ha cambiado ahora.
JR: Esto es un continuo tema en tus letras también, ¿no? Como ‘Prison Boun’ o ‘Drug Train’ o especialmente ‘I Want What I Want’
MIKE: Si, intento no exagerarlo y trato de ser sutil. Porque no trato de ser un tipo con putas oraciones ni nada parecido, ¿sabes?
JR: Como Steve Jones en esos anuncios. ‘¡Solo di no!’
MIKE: No es solo el tema de la droga, sino que las bandas de entonces diciéndote que hacer… las bandas que tratan de subirte al carro, sea política o droga, tiende a ser contradictorio, porque el cambio es inevitable, creo. No hay garantía de que este limpio dentro de 5 años. Me gustaría pensar eso, me gustaría pensar que nunca volveré a ese estilo de vida, pero no voy a estar delante del micrófono gritando sobre yonquis. No tengo nada en contra de la gente que puede hacer eso, hay algunas personas que pueden y otras que no, yo solo soy una de esas que no pueden.
JR: Un amigo mío que es un gran fan vuestro, que también es un alcohólico en recuperación, dice que mucho de la letra de Prison Bound les recuerdan a sus reuniones de Alcohólicos Anónimos, las cosas que sus consejeros le dicen.
MIKE: Si, sí, sí. No es tanto los consejeros, sino gente como nosotros (declina dar más respuestas)
JR: Que hay de DENIS, como te has llevado con él todos estos años y con todos esos cambios.
MIKE: Realmente bien. Él se quedo conmigo todo este tiempo incluso en medio de todo este infierno, durante estos años nuestra relación ha sido incluso mejor. El mismo ha pasado por muchos cambios, supongo que solo es crecer. Según te vas haciendo mayor, afortunadamente, empiezas a madurar y miras a la vida de forma diferente, las cosas que solían excitarme, ya no me excitan más, y las cosas que solía ver como convencionales o que no molaban, me veo haciéndolas ahora.
JR: ¿Por ejemplo?
MIKE: Bueno, tengo un jardín de rosas en mi casa, y si tengo una cita para una buena cena y una película, me pongo una camisa de manga larga (lo cual, de paso, significa que la docena de tatus de mis brazos se cubren) Voy a las fiestas de cumpleaños de mis pequeñas primas y llevo pastel y helado de crema, porque quiero participar en la vida ahora. Esto es la mierda normal que la gente normal ha hecho toda su vida, ¿lo ves? Pero en algún momento yo me desvié.
JR: Estabas haciendo el viaje del chico malo.
MIKE: Si, exactamente. Fue todo innecesario. Se supone que todo sucedería de esa manera.
JR: ¿Todavía estas añadiendo tatuajes a tu colección?
MIKE: Si, absolutamente.
JR: (Perplejo) ¿Todavía tienes espacio libre? (risas)
MIKE: Si, voy a tener que hacer un montaje con todos. Hacerlo como si fuesen un gran diseño. Luego ira por mi pecho y mi espalda. Es divertido.
JR: ¿Iba ‘She’s a Knockout’ sobre alguien en particular?
MIKE: No, esa no. Hay un par de ellas que parecen tener influencias románticas, novias pasadas y esas cosas, pero esa en concreto es más de naturaleza libidinosa.
JR: Todo el mundo conoce a alguien.
MIKE: Si, las veo cada día. Si eres un observador de chicas. Y sé que lo soy.
JR: Quien no… Los acordes de ‘It Could Have Been Me’ parecen prestados de ‘Fulsom Prison Blues’
MIKE: Si, son los mismos. No se si son 4, 8 o 12 compases, pero es una progresión blues. Si, MI-LA-RE. Se ha hecho millones, billones, trillones de veces. Los mismos acordes, blues, los mismos acordes de todas las canciones blues, se usaron un montón. Así que toma eso, pero puedes hacerlo muchas veces con voces que son diferentes.
JR: ¿Con quién te ves tocando estos días? Ahora que te estas alejando del rollo punk.
MIKE: Bueno, estamos haciendo una gira como cabeza de cartel, durante abril y mayo, por los USA, 10 semanas rompiéndonos las pelotas, y esperamos hacer una gira apoyando a JOAN JETT este verano. Creo que debería ser bueno para nosotros. Debería ser compatible. A ella le gusta nuestra banda, nos gusta su grupo. Creo que será una buena exposición para nosotros, en cuanto a tocar para públicos que nunca nos verían si no es tocando en algún bar del centro.
JR: ¿Te gustan sus discos? A mi no.
MIKE: Si, me gustan. Mi favorito es el que tiene ‘I Love R&R’ en él.
JR: Oh, la versión de GARY GLITTER.
MIKE: Si, todavía no he escuchado el nuevo. Solo tengo la cinta. Me gustan los BLACKHEARTS. Me gustan las RUNAWAYS. Son una de las bandas que tuvieron influencia sobre nosotros.
JR: ¿Siempre escuchasteis esa historia de ella supuestamente solo dormía en el sofá mientras se supone que estaba produciendo el LP de los GERMS? (Su único disco del 79)
MIKE: Es probable, sí. Es probable.
JR: ¿Qué otros planes tenéis?
MIKE: Yo voy a ir a mi casa a trabajar en mi coche. Compré un Pontiac del 55. Tiene los alerones más redondeados como un Caddy del 55, no tiene los filos como el del 59, pero es genial, tío, mola. Lo acabó de pintar, a 2 colores, blanco y negro. Como un coche de policía. Lo conduzco mucho, tiene un motor nuevo.
JR: Me puedo imaginar el kilometraje que tiene.
MIKE: Joder, al chaval al que se lo compré, un rockabilly, les puso unas hot rod, unas 69-420. Es cojonudo. Mola bastante tener hobbies. Muchas cosas que hago que antes no podía porque estaba a otras cosas.